Gulay Alpay Solo Exhibition September 8 - 17, 2006       Opening: September 8, 2006   Curator: Tchera Niyego   Location: Turkish Center - Culture and Tourism Office Gallery, 821 United Nations Plaza - New York, NY 10017   email: art@gulayalpay.com more details: www.gulayalpay.com

Gulay Alpay’s work displays delicacy and fragility, revealing a deep respect for something fundamental, some primal, indigenous sense of shape and color, yet she creates with bursts of contemporary idioms. Her paintings are playful, spirited, freeform and deceptively complex. There’s not a single corner, hard edged, geometric line to be found in her composition, instead the shapes are as fluid as the submerged sounds that fuel her imagination. There are connections to Sigmar Polk, Arshile Gorky, Kandinsky, Pollock, De Kooning, and less obvious, Josef Beuys. Alpay’s oeuvre is organic, her shapes biomorphic. In her latest series, she’s inspired to save the whales, but the images are part of the abstract motifs with occasional words and phrases that are distractions from an otherwise controlled, well-articulated, passionate technique. It has been ten years since Alpay was initially inspired by the songs of whales, and her work has become freer and more experimental since this point. The fact that almost all of her work is on silk is itself a trademark, a signature. Some of the work is unframed, hung like a banner suggesting freedom of material and color; the form does not confine them. On the other hand, when the works are framed, she places a layer of foam behind them that stretches the silk into deeper curves, extending the shape and colors. This method gives it a playful, satirical, even Pop-arty, dimension. Like taking a piece of exotic tapestry or embroidered pillow case fabric and framing it to the wall, Alpay plays with the boundaries between craft and fine art. It is humorous and ironic, and in the end you take notice: you are surprised by its beauty and grace. (Abraham Lubelski)   writer-criticer-artist: Yilmaz Zenger I have seen the paintings of Gülay the first time in New York in Broadway Gallery’s archive. At first glance the material used have confused my mind: Silk. Besides, it carried me to my own past, to the silky dresses we have produced with Güler Umur. They had been hand-painted. Painting silk is inister. It is completely different from painting on canvas. It is a must on dressings, but here why as a peinture? First I thought maybe Gülay expects a kind of experimentalism for the form of the painting. But, where it reaches now -in her own words- the transparency and light-reflect ability of silk gives value to the painting as one can look at the paintings both from inside and outside. Gülay finds her material special and valuable due to its thin transparent texture, reflect ability of light, hard to get wrinkled, easy going with silk ink, openness to the spontaneous surprises… giving opportunity and freedom for big scale works, being light and easy to transform… presenting different material choices from canvas… easy to exhibit and most of all the best for the things Gülay wants to show. She loves her material, and thinks about it as a magical material upon which she can reflect her spontaneous expressions of her energy and spirit immediately.   It is obvious that she doesn’t intend to present paintings in the ordinary way.  The carriers of art objects aren’t considered important, we don’t put them in the design process. Gülay turns this upside down and gives the best place to the carrier. Thus her paintings take the long way till she gets her brush in her hand. Besides, she says that she finishes the painting in her head before she begins to paint with brush. She says she works very fast and without break once she begins. Her paintings approve this speed and continuity as well. The paintings define the needs as they appear. Forms appear, articulate in this process and the content is vowen just like a silk. As a result, this extraordinary speed takes her mind after her hand and the paint produces itself by almost being woven on Gülay’s loom. An orgasm with all spontaneous sensitivities out of will -colours, calligraphy, but under control by the experience. Almost a physical satisfaction. A sharp conflict between the material and the content.   According to Gülay, her last work is an illuminated, transparent painting room for her paintings. Well. This definition clears her analysis upon the painting and audience relation. The two dimension of painting follows another here in this image-carousal surrounding the audience where she arrived with her instinct of passing over of the painting plane. In short, this micro cosmos which have been formed by the differentiation of relations with the paintings, forms a 3rd dimension which the relations call a mental benefit into being. She says that there will be the sounds of whales in the room -the original recordings of Jim Nollman. The audience will be able to walk in and around the art object. I think that music is the right support for this 3rd dimension. The desire for painting big scales is like an emulation to the productivity of a documentary camera. The so-called space is a clear definiton, almost cinematographicaly.... In short these are her dreams on the projection of painting.   If we come to the content of the paintings of Gülay, I am afraid that my knowledge of perception and design will be out of service. I feel in a place where I m not totally competent and I can tell about my feelings in the name of being an audience.   She is a professional painter who have stabilized, completed her way of painting, in the literal sense. When it comes to the content of the painting, experimentalism have been pushed back where it had to be. The analogy in her paintings is a product of this dignity. Why she says that “my painting involves concepts beyond the classical senses of time and space.. It is as if there is more than one space and time and where one finishes, the other begins is also unknown’’, and why she tightly holds on to the two dimension is maybe because of the pressure of our traditional art. It is also possible to say that her effort for third dimension is also a reaction to this pressure. Abraham Lubelsky defines her position in the painting cosmos as playful, satirical, even Pop-arty and he adds "Like taking a piece of exotic tapestry or embroidered pillow case fabric and framing it to the wall, Alpay plays with the boundaries between craft and fine art. It is humorous and ironic’’, “There are connections to Sigmar Polk, Arshile Gorky, Kandinsky, Pollock, De Kooning, and less obvious, Josef Beuys."

Temporary Cities Klaipeda, Lithuania     Dates: September 20-22, 2006   Director: Luca Curci   Location: Cultural Communication Centre of Klaipeda, Lithuania   web. www.lucacurci.com/artexpo

A new event organized by International ArtExpo Group is another occasion for the public to share with international artists the major questions of the avant-garde thinking\art. This festival is a multimedia story on TEMPORARY CITIES with temporary workers&lovers with temporary identities&dreams. The possible emergence of the temporary cities in the future will be based on the aesthetics of speed&nomadism, flexibility&reconfigurability. The trans-architecture of such amazing cities is an intimate fusion of space with light, sound, colours and virtual reality, focused on conceptualism, minimalism, happening, irony&urban phantasy. Such a ''Citta Intermedia'' becomes a net where people are free to express their temporary trans-culture, creativity&identity, a place where even time is a creativity matrix. But the loss of the center, horizon, natural, normal, even human, will contribute to a diminution of the role of the ego&history. A culture dominated by temporary cities will be a post-historical and post-literary culture. (Constantin Severin)   General Information. The Cultural Communication Center of Klaipeda has functioned from 2004, when The Artists’ House of Klaipeda, which was established in 1987, was reorganized. The Cultural Communication Center of Klaipeda is a cultural institution of the Klaipeda municipality. It promotes cultural exchange programs, and gives living and creating facilities in the town of Klaipeda to the artists of Europe and world. The Center initiates and inspires artistic–cultural dialogue between Klaipeda and other towns of Lithuania and at the same time provides artistic and cultural training to foreign artists. Klaipeda is a unique city in Lithuania and probably in all the Baltics because of its half-timbered house building style, a style that was popular in the Western Europe. Half-timbered house is a construction style when the shell is built wooden and the gaps are filled with bricks or clay. Such buildings are lighter and they don’t need firm substructure. That’s why it was very applicable to Klaipeda that was being built in a low and swampy place by the fall of river Dange. Temporary Cities festival will be in the Artists' yard, which is surrounded by half-timbered houses.   ArtExpo coordinator: Sarah Tremlett Project coordinator: Skaiste Kazarauskaite Address: Cultural Communication Centre of Klaipeda, Baznyciu street 4/ Darzu street 10 - 91246 Klaipeda, Lithuania

SYMPOSIUM 3-7 October 2006 Venues: Centro Cultural Estación Mapocho, Museo de Arte Contemporáneo, University ARCIS, Santiago.   TRANS VERSA 4 October – 4 November 2006 Venues: Museo de Arte Contemporáne, Galeria Metropolitana, Matucana 100, Santiago.

Launched in Melbourne with the inaugural South 1: The Gathering, the South Project emerges as a five year artistic programme designed to cultivate and engage in cultural exchange across the southern region.   Reflective of the increasingly strong lateral relationships between Australia, New Zealand and Chile, the South Project will host its third Gathering in Santiago from the 3-7 October 2006. Following on from the success of the New Zealand Gathering in 2005 the South Project has turned its attention to Latin America, before heading to South Africa in 2007. The Gathering will feature a symposium titled Crossing Horizons: context and community in the south, bringing together leading critical arts thinkers from Australia, Chile and across the south. Including South African curator Khwezi Gule, who will co-curator the pan African exhibition CAPE 06, New Zealand curator and art historian Christina Barton, Paraguayan curator Ticio Escobar, renowned Australian artist Pat Hoffie, Uruguayan artist Carlos Capelán and Mai Abu ElDahab, co curator of Manifesta 6, among others.   Crossing Horizons context and community in the South, will provide speakers and a Chilean audience the opportunity to debate and explore issues concerning contemporary art practice in the south, particularly notions of translation, political activism in the arts, conditions of exile, alternative structures and collective practices. Whilst predominantly art focused, the symposium will also raise poignant socio-political concerns affecting the wider communities of the south.   To compliment the symposium a comprehensive artistic programme will feature at venues through out Santiago. The South Project will present its first international exhibition to be developed under the South Project banner. TRANS VERSA, conversing across the south, co-curated by Zara Stanhope, Senior Curator and deputy Director of Hiede Museum of Modern Art (Aus) and Danae Mossman, Director of the Physics Room (NZ), features the work of thirteen established and emerging artists from Australia and New Zealand including Maddie Leach, Daniel Malone, Tom Nicholson, Selina Ou, Brook Andrew and Ash Keating. All avid contributors to the Australasian art scene, these artists’ practices are firmly grounded by a local vernacular yet progressively outward looking in their attempts to explore the tenants and threads of lateral connections, migration, travel and modes of communications. Developing from the vision to engage and connect artists and audiences with art and in dialogues addressing our cultures, TRANS VERSA supports artists to respond to the locale of Santiago and culminates with work made during the project exhibited in three of the leading venues in Santiago; the Museo de Arte Contemporáne, Galeria Metropolitana and Centro Cultural Matucana100.   Gathering programme is now available online, and registrations are being accepted. Visit website for further information. www.southproject.org.   For all media enquires please contact: Nicola Harvey nharvey@craftvic.asn.au Tel: +61 3 9650 7775 Fax: +61 3 9650 5688 31 Flinders Lane, Melbourne, Victoria 3000 - Australia

Pittura e scultura astratta, informale e concettuale a Crema

inaugurazione 1 settembre 2006 | ore 17,00 | ex convento di sant'agostino, museo civico | crema


Con il Patrocinio del Comune di Crema, della Provincia di Cremona e della Regione Lombardia si inaugura il 1° Settembre 2006 la 24° Rassegna di Pittura e Scultura Astratta, Informale e Concettuale negli spazi dell'ex Convento di Sant'Agostino a Crema presso il Museo Civico di Crema, prossima Cittadella della Cultura. La Rassegna fa parte di un ciclo itinerante che si sposta tra i siti monumentali più antichi e prestigiosi d'Italia e giunge alla sua 24° Edizione alla vigilia del suo decimo anno di vita.
Le Rassegne del ciclo si propongono di riqualificare nonché di ricollocare storicamente le Arti della Pittura e della Scultura all'interno di un contesto storico monumentale che ne giustifica l'ormai raggiunta "classicità" in un confronto dialettico e costruttivo con quegli aspetti dell'espressione artistica agita con mezzi e strumenti totalmente altri dalla Pittura e valutati nell'ottica dell'attualità storica dalle Istituzioni di tutto il mondo (in Italia: la Biennale di Venezia e le Gallerie Civiche del circuito G.A.M.)
Gli Artisti che hanno aderito al Progetto sono maestri professionisti, riconoscibili su pubblicazioni ufficiali e sono stati individuati nell'ambito di un ampio lavoro di ricerca sviluppato in decenni di attività da Giulia Sillato, Storico dell'Arte di scuola longhiana, lavoro che si è prefisso un indagine scientifica sui percorsi evolutivi dell'Arte.
Le Rassegne sono autofinanziate, ma godono del sostegno degli Enti Pubblici di tutta Italia e risultano totalmente esenti da fini di lucro. Le Rassegne, regolate da uno Statuto che ne fissa la destinazione socio culturale, hanno la funzione di sostenere il Patrimonio Artistico Nazionale attraverso la pubblicità prodotta dalle Mostre e dalla pubblicazione dei Cataloghi, i cui proventi vanno all'Istituzione del Monumento ospitante.

Gli Artisti: Pietro Alberto, Bruno Antonazzo, Emilio Belotti, Natalia Berselli, Marisa Bonazzi, Martino Brivio, Marc Chiassai, Rosetta D'Alessandro, Enzo Devastato, Filly Fiordaliso, Massimo Fumanti, Saverio Magno, Marcello Mancuso, Angelo Mazzoleni, Giulietta Paolini, Francesco Pezzuco, Livio Politano, Liana Rover, Mario Salvo, Annalisa Silingardi, Laura Sartori, Tibaldi, Anil Tei, Osvaldo Trombini, Marco Tulipani

L'Arte Contemporanea nelle Antiche Dimore 2006
Dal primo al 24 settembre 2006
Apertura Museo: da martedì a venerdì 9-12; 14,30-18,30. sabato e domenica 10-12; 16-19. Lunedì chiuso
Museo Civico
Via Dante Alighieri 49 (26013)
+39 0373257161 (info)
museocrema@crema.unimi.it
www.crema.unimi.it/museo/
La mostra è patrocinata da: Comune di Crema, Provincia di Cremona, Regione Lombardia
Il Catalogo della 24° Edizione è distribuito presso: Museo di Stato Russo di San Pietroburgo, MAN Museo d'Arte della Provincia di Nuoro, Stato Maggiore dell'Esercito di Roma, Regione Autonoma Trentino Alto Adige, Regione Autonoma Valle d'Aosta, Ministero per i Beni e le Attività Culturali di, Ufficio per il Turismo di San Marino, Centro Alti Studi Difesa di, Comunità Montana Mugello di Firenze, Regione Campania, Regione Lazio, Banca di Roma (sede centrale), Poste Italiane di Roma, Guggenheim Warehouse, Kunstforum di Vienna, Wunderman di Milano, Technip di , MART di Rovereto, Galleria Civica di Spoleto, Galleria Arturarte di Viterbo, Galleria Sapone di Nizza, Galleria Romberg di Roma, Massa Editore di Napoli, Abbazia di Montecassino, Artificio di Firenze: i proventi delle vendite del Catalogo saranno devoluti all' Amministrazione del Museo Civico di Crema

Presenta Prof. Yvonne CARBONARO

Critico d’Arte

Coordinatrice Alma SAURO

Accademico d’Europa

Presidente Comm. Prof. Annamaria SCARDACCIONE

Antony Gormley al Parco di Scolacium. A Catanzaro

fino all'8 ottobre 2006 | a cura di alberto fiz | parco archeologico di scolacium roccelletta di borgia | catanzaro


Gormley e Scolacium ovvero il respiro di un artista dentro una città scomparsa. L'ambizioso progetto a cura di Alberto Fiz prenderà forma tra gli ulivi e le antiche rovine del Parco Archeologico di Scolacium, tra Catanzaro e le spiagge joniche, tra il 25 giugno e il 8 ottobre. Time Horizon è il titolo dell'installazione che Antony Gormley ha realizzato appositamente per Scolacium. Saranno 100 sculture in ferro di 189x53x29 centimetri, dal peso di 650 chili ciascuna che l'artista inglese ha creato partendo dai calchi del suo corpo; le opere appaiono come una serie di varianti rispetto al processo di respirazione.
L'evento espositivo organizzato dall'Assessorato alla Cultura della Provincia di Catanzaro con la collaborazione dell'Assessorato alla Cultura della Regione Calabria e della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Calabria, propone, accanto all'installazione che dà il titolo alla rassegna, una mostra personale di Gormley nei suggestivi ambienti del Museo del Frantoio, all'interno del Parco di Scolacium, con una selezione di opere che vanno dalla fine degli anni Ottanta sino a oggi, in grado di ripercorrere la ricerca linguistica e le innovazioni stilistiche dell'artista.
Time Horizon caratterizza la seconda edizione di Intersezioni, la rassegna nata nel 2005 con l'obiettivo di proporre una nuova fruibilità dell'arte, sottolineando la relazione tra il patrimonio archeologico e l'esperienza dei maggiori scultori contemporanei. Tony Cragg, Jan Fabre e Mimmo Paladino sono stati i protagonisti della prima edizione. "Dopo il successo dello scorso anno il Parco Archeologico di Scolacium è al centro di un altro impegnativo progetto internazionale particolarmente innovativo dove l'arte di oggi instaura un inedito dialogo con la memoria e la storia", afferma Maurizio Rubino Assessore alla Cultura della Provincia di Catanzaro. Ed è il Presidente della Provincia di Catanzaro Michele Traversa a confermare che "con Intersezioni la Calabria della cultura non solo valorizza uno dei suoi luoghi storici di maggior fascino ma diventa un punto di riferimento per la comprensione dei linguaggi più attuali promuovendo un nuovo approccio con i maggiori maestri della contemporaneità".

Per quanto riguarda il progetto espositivo è Alberto Fiz a spiegare come "in questo caso Gormley abbia messo a disposizione il proprio corpo per compiere un'indagine sull'universo fisico e sensoriale che interagisce con il territorio e con l'architettura del luogo". Tutto ciò, ribadisce il critico, "consente di ampliare la nostra percezione e di sviluppare un percorso visivo completamente nuovo ponendoci in continua relazione con la moltitudine del nostro essere e del nostro agire. L'uomo diventa, allo stesso tempo, contenitore e contenuto dello spazio infinito". Le sculture occupano il Parco di Scolacium disponendosi sull'intera area sia nella zona archeologica del Foro, ovvero la piazza principale della colonia Minervia Scolacium dove un tempo erano situati i monumenti più importanti, sia nell'immenso uliveto circostante. Sono state collocate ciascuna su una base differente alla stessa altezza creando un'unica linea dell'orizzonte. "E' la prima volta che posso utilizzare un luogo così affascinante e così ricco di riferimenti alla memoria storica e alla realtà del presente", afferma Gormley. "Il mio progetto si sviluppa su due assi, quello orizzontale della storia e quello verticale della natura e della terra. Le mie sculture, che richiedono la presenza diretta dello spettatore, si possono considerare come una sorta di agopuntura in grado di ridare energia allo spazio evidenziando aspetti che prima sembravano nascosti".
L'installazione dello scultore inglese va considerata come un innesto sul territorio dove archeologia e geologia trovano nuovi punti di connessione e lo spettatore che giungerà al Parco Archeologico di Scolacium si troverà a compiere un percorso esplorativo affascinante e misterioso dove le opere di Gormley attendono in silenzio di essere scoperte creando un rinnovato dialogo con chi osserva.

Accanto a questa complessa installazione ci sarà, come s'è detto, una mostra allestita negli spazi del Museo del Frantoio che per la prima volta viene utilizzato per un'esposizione d'arte contemporanea. In una cornice di archeologia industriale formata da macine, presse e mole degli anni Trenta per la lavorazione delle olive, sono state collocate alcune opere come Seeing and believing del 1988, Sovereign State del 1989/90, Transfuser III del 2002 e Concentrate I del 2003 da cui risulta con chiarezza l'originalità dell'indagine di Gormley che ha rivitalizzato la figura umana nella scultura contemporanea attraverso una radicale indagine sul corpo, inteso come luogo di memoria e di metamorfosi in una ricerca sull'individualità ma anche sul corpo collettivo e sulla relazione tra sé e gli altri. A questo proposito appaiono emblematiche le due opere della serie Quantum Cloud, ovvero Quantum Cloud XVII e Quantum Cloud XXIV, entrambe del 2000, dove la figura appare nascosta all'interno di filiformi strutture in acciaio che ne impedisce una reale percezione, come se chi osserva fosse costretto ad un continuo processo di avvicinamento e di allontanamento. Nel caso di Transfuser III del 2002, il corpo sospeso è avvolto da un involucro in acciaio, quasi una navicella spaziale, che sembra custodire il feto. Nella piccola piazzetta che porta all'ingresso del Museo del Frantoio lo spettatore sarà accolto invece da Present Time del 2001, una grande scultura in ferro di tre metri e mezzo d'altezza basata sulla sovrapposizione di due calchi dell'artista divisi da una linea orizzontale dove si crea una stretta relazione tra l'elemento fisico e quello spirituale, tra lo spazio interno e quello esterno in una indagine tesa a metterci in contatto con l'aspetto più recondito e segreto dell'esistenza.
La mostra è accompagnata da un catalogo in italiano e inglese edito da Electa che rappresenta la prima importante monografia dell'artista pubblicata in Italia. Accanto al saggio del curatore Alberto Fiz, sono raccolti contributi critici di Maria Grazia Aisa, Bruno Corà e Colin Renfrew. Il volume, inoltre, è accompagnato da un'intervista di Antony Gormley con Alberto Fiz.

Intersezioni - Seconda edizione
Time Horizon. Antony Gormley al Parco Archeologico di Scolacium: un'installazione di 100 sculture e una mostra personale di grandi opere
Dal 25 giugno all' 8 ottobre 2006
Organizzazione: Assessorato alla Cultura della Provincia di Catanzaro con la collaborazione dell'Assessorato alla Cultura della Regione Calabria e della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Calabria
Orari: tutti i giorni 10-21,30; ingresso libero
Catalogo: Electa con testi in italiano e inglese
Parco Archeologico di Scolacium Roccelletta di Borgia (Catanzaro)
Info: 0961. 391356-84342-741257
www.provincia.catanzaro.it

Ufficio Stampa: Studio Esseci-Sergio Campagnolo
tel. 049 663499; fax 049 655098
info@studioesseci.net
www.studioesseci.net
Ufficio Stampa Electa
tel. 02.21563433- 250; fax 02.21563314
elestamp@mondadori.it
imaggi@mondadori.it
www.electaweb.it

IL B&B? A NAPOLI È HIGH TECH Metti un weekend a casa di Valeria. Giovani artisti internazionali, di passaggio a Napoli, trovano un posto speciale dove dormire e lavorare. Cucina, camera da letto e studio professionale in un colpo solo. Nato da un'ingegnosa intuizione, questo bed and breakfast per videoartisti è già un luogo di successo. Intelligente, divertente, economico, pieno di risorse. Un rifugio full-comfort per viaggiatori con la voglia di creare...

pubblicato venerdì 1 settembre 2006 C'è un luogo, nel cuore antico di Napoli, fatto apposta per artisti viandanti in cerca di un rifugio temporaneo. Ne sono passati decine, ormai, da questo singolare headquarter partenopeo: gente in arrivo da ogni angolo del mondo, con un progetto in cantiere o semplicemente in viaggio. Beds in Art è un bed & breakfast d'artista, laboratorio vacanziero in cui sperimentare dinamici soggiorni con risvolti creativi. Frutto dello spirito imprenditoriale della napoletana Valeria Borrelli, lo spazio nasce nel settembre 2005, proponendosi come una vera e propria casa-officina, attrezzata specificamente per il campo dell'audio-visivo. Videoarte, fotografia, cinematografia documentaria sono l'anima pulsante della art house napoletana. Artisti e professionisti del settore sbarcati a Napoli trovano così, in un'unica soluzione, ospitalità a costi allettanti (tra i 50 e gli 80 euro per camere singole o doppie) e un'adeguata offerta di servizi e tecnologie d'avanguardia. Ma partiamo da questa giovane donna intraprendente che ha realizzato un sogno così speciale dentro casa propria. Valeria è un'artista, anzi una "videasta con formazione al DAMS di Bologna", come ci racconta. "Ho alle spalle un'esperienza decennale in ambito bolognese", continua. "Insieme agli Autocostruttori, gruppo da me fondato all'Università, ho partecipato a festival con installazioni site specific e opere tra arte, performance e video. Abbiamo contribuito all'apertura di una tv indipendente nei primi anni '90 e lavorato con gente del calibro di Mutoid Waste Company o con il Link, lo storico centro sociale". Valeria poi, ci tiene a precisarlo, è "anche un tecnico. Faccio riprese in digitale e in super 8, video compositing con final cut e creazioni grafiche. Ho imparato il mestiere collaborando con giovani cineasti indipendenti o facendo da assistente". E non è tutto. Artista, ma anche collezionista alle prime armi: "Spesso le opere che possiedo" racconta ad Exibart "sono frutto di collaborazioni con altri artisti, come nel caso dei napoletani Pierre-Yves Le Duc, Riccardo Albanese, Antonio Sacco, Agata Monti e Betty Bee". Dopo l'esperienza emiliana, sciolti gli Autocostruttori, Valeria torna a Napoli. È allora che pensa di aprire una casa-studio dove vivere e lavorare, per poi decidere di dividerla con altre persone. Attitudine al lavoro di gruppo, amore per le esperienze di ricerca collettive e anche senso degli affari. Beds in Art è una passione, un modo diverso per vivere il proprio quotidiano e un'intelligente soluzione per ammortizzare i costi delle apparecchiature e dello spazio. Così, la piccola casalbergo viene concepita come un nucleo operativo destinato a raccogliere flussi di energie creative in transito, mettendole in relazione con realtà significative del territorio. Nello spazio office si trova un'attrezzata work station per lavori di editing digitale, postproduzione e masterizzazione. Tecnologia rigorosamente Apple, internet veloce, possibilità di assistenza tecnica, accesso gratuito ai macchinari di base. Un servizio eccellente... giusto accanto alla propria stanza da letto. Non sono solo gli ospiti in affitto, però, a poterne giovare. Le postazioni di lavoro, su prenotazione, sono aperte a chiunque. Unica condizione: proporre progetti interessanti, capaci di conquistare la padrona di casa. Utilissimi anche i link con le realtà produttive locali, messi a disposizione degli artisti. Musei e gallerie d'arte contemporanea, atelier, studi privati, centri di assistenza tecnica hardware, service di attrezzature per lo spettacolo. La rete di contatti è fitta, costruita per offrire un supporto valido e allargato all'elaborazione di film, video, installazioni, performance. Niente di più seducente, infine, del contesto geografico, ottima quinta scenografica per artisti che vogliano ambientare i propri set tra le bellezze naturali e storiche della Campania. Ma torniamo alla casa. L'ubicazione? Perfetta. "Beds in Art si trova nella centralissima Via Chiaia" spiega Valeria, "un'area pedonale che da piazza del Plebiscito porta alla villa comunale. Il palazzo è una piccola costruzione anni '50, l'appartamento è grande circa centosettanta metri quadri". E il design? "Ho optato per un arredo semplice, essenziale, volutamente ridotto al minimo. Gli alloggi privati sono tre stanze doppie indipendenti, a cui si accede da un ingresso in un cortile privato. Ogni stanza ha un suo bagno e la possibilità di utilizzare una cucina comune. Le camere convergono tutte nello studio". L'idea, così congegnata, decolla subito. Valeria inizia a ricevere giovani artisti stranieri di passaggio a Napoli per le loro prime mostre personali in gallerie locali. Gli ospiti? Ecco qualche nome, tra quelli che hanno realizzato progetti grazie anche a Beds in Art: Willem Weisman, londinese; Jen DeNike, da Nyc, con i suoi Vampire portraits; Peter Coffin, newyorkese, con il lavoro Hello Headspace presentato alla Galleria Fonti; Birgit Megerle, di Berlino, accompagnata dall'amica artista Lucy McKenzie, con il progetto Zona grigia, anche questo per Fonti. E poi sono passati da qui Erika Samogyi, Evan Greenfield, Roberto Granoff, Maximilian Linz. E molti altri sono già in lista d'attesa. Tra giugno e luglio, a casa di Valeria si è fermata anche Jessica Seigel, giornalista del New York Times assistente alla New York University. Siegel sta svolgendo una ricerca sulla bellezza femminile, dall'arte classica fino alla contemporaneità, e a Napoli ha scelto di trascorrere il suo soggiorno di lavoro nel più attrezzato hitech-hotel della città. Contemporaneamente lo studio di Beds in Art ha aiutato la regista e producer partenopea Maria Totaro ad organizzare lo shooting di un documentario per Historical Channel: la troupe è arrivata dritta da Nyc per girare Inside Vulcano, un film sui vulcani più affascinanti del mondo. Tra i protagonisti, ovviamente, l'austero Gran Cono del Vesuvio. Una parte dello staff, manco a dirlo, ha alloggiato nel B&B d'artista di via Chiaia. Di tutta questa fervida attività, sarebbe certo un peccato perdere le tracce. E così nasce fin da subito l'Archivio Documentario, una raccolta in progress di foto, video, super8, audiointerviste che testimoniano il passaggio degli artisti e gli step delle loro ricerche. In più, due blog curati da Valeria permettono di seguire on line la storia della casa, dei suoi ospiti, dei progetti realizzati o in corso. Napoli, quindi, crocevia dell'art system internazionale? Napoli piazza cosmopolita, capitale di un Sud Italia in odore di 'renaissance'? Valeria Borrelli non ha dubbi: "Napoli rappresenta da sempre una tappa obbligata per gli artisti. È una miniera creativa inesauribile. Forse negli ultimi tempi le istituzioni e gli addetti ai lavori stanno solo prendendo maggiore consapevolezza di queste potenzialità. Ed ecco che si cominciano a realizzare cose di respiro internazionale". Ma siamo sempre al Sud e i giochi non sono semplici per chi di arte vorrebbe vivere. "Non è facile qui riuscire a sviluppare sinergie interne", sottolinea Valeria. "Purtroppo molti artisti napoletani continuano ad emigrare all'estero, impoverendo la città. E proprio per questo credo nell'importanza di Beds in Art, un progetto non solo imprenditoriale ma soprattutto 'relazionale', che mi permette di restare qui vivendo la complessità del contemporaneo, senza essere costretta ad emigrare". Occorre fare sistema, in una parola. Creare punti di convergenza verso cui convogliare talenti e idee provenienti da ogni parte del mondo. "Io ci sto provando, con la mia casa ed i miei Mac, divertendomi e lavorando sodo". E tra amicizie che nascono, nuove produzioni, intense collaborazioni, passeggiate in città con gli artisti, l'impressione è che Valeria ci stia pure riuscendo... helga marsala *articolo pubblicato su Exibart.onpaper n. 31. Te l’eri perso? Abbonati! Beds in Art Napoli, via Chiaia 111 Tel 081 401024 Mob 335 434284 valeria.borrelli@fastwebnet.it www.badsinart.blogspot.com www.cantieri-larealtaindivenire.blogspot.com

fino al 4.IX.2006 Jannis Kounellis Napoli, MADRE Terzo atto per il MADRE di Napoli. La mostra di Kounellis prende il via dove finisce l’Atto Secondo: la collezione del museo in cui compaiono Burri e Fontana, Klein e Twombly. É da qui che l’artista greco prende le mosse…

pubblicato martedì 6 giugno 2006 Si configura come un terzo atto denso, affollato e poco strutturato, quello dedicato a Jannis Kounellis (Pireo, Grecia, 1936; vive a Roma) dal Museo d’Arte contemporanea Donna Regina. Le sale, spesso troppo piccole per le opere che sono destinate ad accogliere, sono organizzate in ordine rigorosamente non cronologico, cosa che per un’antologica che spazia con opere dal 1957 –le bottiglie vuote posate su di un foglio di cartone, presenti nell’ultima sala– ad installazioni del 2006 –le brandine fasciate di bende intrise di vernice color sangue, presentate alla Galleria Bonomo di Roma– risulta particolarmente disorientante. Ma, ricordando le parole dello stesso Kounellis, secondo cui “ogni mostra è un atto unico”, scritto per il luogo nel quale deve essere rappresentato, sembrerebbe che questa mostra sia stata concepita come una valigia dei ricordi. Gli oggetti prendono posto lì dove c’è spazio, stringendosi un po’, facendosi posto a vicenda, accavallandosi anche, ma con grande coesione. E di ricordi, nella sua valigia di viaggiatore, Kounellis ne ha parecchi, stipatisi durante i suoi cinquant’anni di attività: sin dal ‘56 quando sbarca a Roma per iscriversi all’Accademia di Belle Arti, convinto di fare pittura, convinzione che lo accompagnerà per tutta la vita; le sue lastre d’acciaio, che si appendano alla parete o che si conformino al suolo, che supportino pappagalli o che contengano carbone, sono, per l’artista, rigorosamente quadri. Nella mostra napoletana sono presenti molti importanti pezzi tirati fuori dalla valigia magica di Kounellis: il trenino del 1977 che si inerpica a spirale lungo una colonna, o la Tragedia civile, oramai mitica installazione presentata alla Galleria Amelio di Napoli nel ’75. Ancora, l’installazione della prima mostra di Kounellis da Amelio, quella del ’69, così come il primo lavoro con le lettere presentato al pubblico, in mostra nel 1960 presso la galleria la Tartaruga di Roma. Un altro aspetto, inoltre, emerge da questa mostra, un dato che i critici italiani non hanno mai voluto troppo sottolineare: il debito, tutto linguistico, all’opera di Joseph Beuys, che risulta palese proprio passando dalle sale della collezione stabile del Madre con le opere dell’artista tedesco. L’installazione, che chiude la mostra, presentata nel 2000 al Castello di Genazzano, con i letti e le coperte di guerra, con le lamiere metalliche martoriate a simulare la presenza di corpi sofferenti, non può non ricordare i lavori più direttamente ispirati alla guerra, di beuysiana fattura. Infine, circa la presenza dei cavalli, che ha fatto infuriare gli ambientalisti, nella riproposizione della performance presso la galleria l’Attico di Roma del ‘69, l’interrogativo sorge spontaneo: se la performance è, nell’arte contemporanea, un atto unico e contestualizzato nel tempo e nello spazio, che senso ha riproporla? Non sarebbe bastata la tecnologia -quella sì contemporanea- semplicemente per rievocarla? articoli correlati L’installazione alla Galleria Bonomo Atto secondo: la collezione. Napoli, MADRE giovanna procaccini mostra visitata il 22 aprile 2006 Jannis Kounellis Museo MADRE, Via Settembrini, 79 – (Centro Storico) 80139 Napoli Info: tel. +39 0815624561- web site: www.museomadre.it Orari: dal lunedì al giovedì e domenica ore 10.00 – 21.00, venerdì e sabato ore 10.00 – 24.00, martedì chiuso Biglietti: intero 7,00 euro, ridotto 3,50 euro Catalogo: Jannis Kounellis, ed. Electa, 30 euro (prezzo in mostra) Fonte exibart www.exbart.com

A Bologna il Festival del Libro d'Arte

inaugurazione giovedì 14 settembre 2006 | ore 17,30 | sala farnese di palazzo d'accursio | piazza maggiore 6 | dal 15 al 17 settembre | palazzo re enzo e del podestà | bologna


Artelibro, il festival del libro d'arte giunto alla terza edizione, anche quest'anno si terrà in settembre, dal pomeriggio di giovedì 14, momento inaugurale, a domenica 17 settembre compresa. Grazie alla straordinaria disponibilità delle istituzioni cittadine, e in particolare del Comune di Bologna, ad ospitarlo sarà ancora una volta il cuore storico della città, dove accanto alla Mostra-mercato di Libri d'arte in Palazzo di Re Enzo e del Podestà, per la prima volta, si terrà anche quella del Libro da collezione e d'antiquariato nel Cortile della Biblioteca dell'Archiginnasio. Ma Artelibro non sarà un appuntamento soltanto per bibliofili ed addetti ai lavori. Saranno numerosi gli eventi culturali che si svolgeranno negli stessi giorni nei musei, nelle biblioteche e nelle più prestigiose sale cittadine, che concorreranno a fare di Bologna ancora una volta una città d'arte e una "biblioteca d'arte diffusa".
Il programma culturale del Festival, articolato in filoni di trattazione secondo criteri d'interesse professionale, divulgativo e didattico, sarà ricco d'incontri e mostre, frutto sia delle proposte d'attualità e d'elezione degli editori, sia del lavoro di proposizione e raccordo svolto dal nostro Comitato scientifico. Veri e propri percorsi trasversali, che condurranno i visitatori in un viaggio attraverso l'arte, i libri e la cultura.
Questi i principali filoni:Antiquariato e Bibliofili, Architettura, Arte Antica e Arte Contemporanea, Arte e Comunicazione, Artelibro per i Ragazzi, Binomi Illustri, Design, Brevetti, Collezioni e Biblioteche Fotografia, Iconografie e Simboli Artistici e Religiosi, Presentazioni di Cataloghi, Libri ed Inediti

Tra le mostre vogliamo segnalare: Indice Scultura III, percorso di scultura all'interno di Palazzo Re Enzo e del Podestà, promosso da ASCOM-Associazione Gallerie d'Arte Moderna e Contemporanea di Bologna. Le mostre fotografiche Somewhere there is music del fotografo americano Larry Fink, a cura di Valerio Dehò, promossa da GAM e Damiani Editore; Pierluigi. On Cinema di Photology, mostra sul cinema degli Anni Cinquanta, con catalogo e testi di Claudia Cardinale; Omaggio a Bologna dei Fratelli Alinari, un prezioso insieme di 40 significative immagini della città di Bologna dagli Archivi Villani; Areaprotetta. Parchi e riserve naturali nel bolognese di Gabriele Basilico, a cura della Fondazione Villa Ghigi e promossa dalla Fondazione Carisbo e dalla Provincia di Bologna. Nella Cappella dei Carcerati in Palazzo Re Enzo la videoinstallazione di Silvia Camporesi promossa da Artelibro.
Nel Quadriloggiato dell'Archiginnasio la mostra "Rilegare l'immaginario. Libri rari da una collezione", curata da Marco Vallora, presenta preziose rilegature d'epoca liberty e déco. Le Istituzioni museali e le Biblioteche cittadine partecipano con importanti iniziative, dalla mostra Bologna 1935: la scoperta del Settecento bolognese a cura di Carla Bernardini, promossa dai Musei Civici d'Arte Antica, alla presentazione del libro Fulgores Bononiae promossa dall'Archivio di Stato di Bologna con la partecipazione di Salvatore Italia, capo del Dipartimento per i Beni Archivistici e Librari del Ministero dei Beni Culturali; dalla mostra Hebraica Veritas. Edizioni ebraiche del XVI secolo, promossa dal Museo Ebraico di Bologna, ad Arte e scienza nei libri di Ulisse Aldrovandi, promossa dalla Biblioteca Universitaria Bolognese, per concludere con la mostra Navigar fra libri e carte geografiche, realizzata dall'Opera Pia dei Poveri Vergognosi e dal Collegio San Luigi.
Nel suggestivo spazio della Galleria d'Accursio in Piazza Nettuno le Edizioni della Laguna espongono l'intera collezione di Ver Sacrum, la rivista d'arte della Secessione viennese, mentre Ilisso Edizioni presenta un'esposizione insolita e originalissima di 300 progetti per segnalibro realizzati da 100 artisti della Sardegna. Dalla collaborazione con importanti musei - Castello di Rivoli, MART e Fondazione Arnaldo Pomodoro - nascono mostre di "libri d'artista" di altissimo profilo: Libri Books Bücher, Primo amore. La passione di un collezionista e Pomodoro. In Chartis. Si completa così il percorso espositivo relativo all'arte moderna e contemporanea, già avviato con la Galleria d'Arte Moderna di Bologna, prossima a trasferirsi nella nuova sede del MAMbo.
Accanto alla possibilità di acquistare Riviste Internazionali d'Arte Contemporanea (Postmedia Books), al pubblico di Artelibro sarà consentito consultare i numeri recenti di testate d'arte e cultura contemporanea italiane - dalle freepress alle riviste storiche, da quelle distribuite solo in alcuni musei a quelle vendute in edicola - che aderiscono al progetto online Magazines di UnDo.Net.

Nel corso di Artelibro, inoltre, Silvia Evangelisti, Direttore Artistico di Artefiera, illustrerà l'edizione 2007 dell'evento fieristico dedicato all'Arte.
Artelibro è un Festival gratuito per il pubblico grazie agli Enti e Istituzioni che lo promuovono e agli sponsor che ne sostengono la realizzazione.

Artelibro Festival del Libro d'Arte
Palazzo di Re Enzo e del Podestà, Bologna
www.artelibro.it
info@artelibro.it
Conferenza stampa nazionale: Giovedì 22 giugno 2006 ore 11.00. Milano, Fondazione Arnaldo Pomodoro
Conferenza stampa locale: Mercoledì 6 settembre 2006 ore 12.00. Bologna, Palazzo d'Accursio

Comitato Promotore: Associazione Artelibro, Associazione Italiana Editori, Comune di Bologna , Provincia di Bologna, Regione Emilia-Romagna , Alma Mater Studiorum Università di Bologna, Camera di Commercio, Industria, Artigianato, Agricoltura di Bologna, Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna
Con il patrocinio di: Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, Ministero degli Affari Esteri, ABI - Associazione Bancaria Italiana, ACRI - Associazione Casse di Risparmio Italiane
Partner ufficiale: UniCredit Group
Sostenitori Istituzionali: ASCOM - Associazione dei Commercianti della Provincia di Bologna, Confindustria Bologna, Banca Popolare dell'Emilia Romagna, Banca Popolare di Milano, Bologna Fiere, Consorzio Cooperative Costruttori, Collegio Costruttori Ferrovie dello Stato, IBACN - Istituto per i Beni Artistici Culturali e Naturali della Regione Emilia Romagna, IMA Lottomatica, Poste Italiane, PromoBologna, Soprintendenza per il Patrimonio Storico Artistico e Etnoantropologico, Unicredit Banca
In collaborazione con: Istituto Nazionale per il Commercio Estero
Sponsor Tecnico: Cartiere del Garda - Carta GardaPat 13
Si ringraziano inoltre: Fondazione Arnaldo Pomodoro, MACRO - Museo d'Arte Contemporanea di Roma, Solomon R. Guggenheim Foundation, Mart, Castello di Rivoli
Comunicazione e promozione: Studio Pesci
Tel. 051.269267
Fax 051.2960748
info@studiopesci.it
Segreteria Organizzativa: Noema srl - Bologna
Tel. 051.230385 - Fax 051.221894
info@noemacongressi.it

FMR. La rivista d'arte più bella al mondo

La Rivista FMR
Definita da Federico Fellini la perla nera dell'editoria mondiale, da oltre vent'anni la rivista FMR rappresenta un appuntamento fisso con l'arte e la bellezza di tutto il mondo. Rinnovata nella forma e nei contenuti, la rivista FMR mantiene viva e attuale la propria tradizionale funzione di laboratorio del gusto per un pubblico sempre più colto, raffinato ed esigente.
La rivista FMR è realizzata in quattro lingue: italiano, inglese, francese, spagnolo ed è distribuita in abbonamento in oltre 110 paesi al mondo. Gli abbonati a FMR ricevono ogni due mesi, assieme alla rivista la "Guida del viaggiatore curioso", panoramica delle mostre, aste e fiere antiquarie.

FMR 14
Racconta Man Ray che "Duchamp passò la maggior parte della settimana del viaggio di nozze a studiare problemi di scacchi, e sua moglie per la disperazione si vendicò alzandosi una notte mentre egli dormiva e incollò tutti i pezzi alla scacchiera. Divorziarono tre mesi dopo". Mi è sovvenuto questo aneddoto a proposito dell'articolo che l'amico Claude Lemoine dedica al "nobil gioco" su questo numero di FMR. Perché non solo gli scacchi sono un'arte, ma anche l'arte che ci circonda - ci ha rivelato Marcel Duchamp - è una grande partita a scacchi: così, almeno, la intende il nostro secolo che ha svuotato il progetto artistico di ogni valore diverso dal puro e gratuito gioco dell'intelligenza, in una sorta di algida astrattezza della quale il museo è la rappresentazione plastica. Certo non giocavano con il loro genio, né con l'altrui, gli artisti dei bronzi di Siddharta Gotama, il Buddha; all'estremo opposto, vivere la vita e sognare un sogno era l'alimento che nutriva lo sguardo di Diego Rivera e di un Messico che voleva nascere...

Vai a vedere il numero 14 di FMR.

FMR
Anno di fondazione: 1982. Periodicità: bimestrale
www.fmrspa.it
Numero verde: 800-019632 (dal lunedì al venerdì dalle 9.00 alle 18.00)
Fax verde: 800-279343
fmr@artespa.it
Distribuzione: abbonamento postale, rivenditori autorizzati FMR in Italia e nel mondo, fiere e manifestazioni di settore, spedizione mirata e capillare su territorio nazionale e internazionale.
Abbonamento annuale (6 numeri) Italia ? 95 - Abbonamento per due anni (12 numeri) ? 180
Abbonamento annuale (6 numeri) Europa ? 118 - Abbonamento per due anni (12 numeri) ? 213
Abbonamento annuale (6 numeri) USA/Canada (via aerea) ? 130 - Abbonamento per due anni (12 numeri) ? 235
Abbonamento annuale (6 numeri) Resto del mondo (via aerea) ? 169 - Abbonamento per due anni (12 numeri) ? 285
Per conservare la rivista in biblioteca FMR ha previsto per gli abbonati un elegante cofanetto atto a contenere i sei numeri annuali (? 20).
Per abbonarsi con il coupon elettronico

Editore:
FMR SpA - Gruppo ART'E'via Cavour 2, 40055 Villanova di Castenaso (BO)
Numero verde 800-019632 (dal lunedì al venerdì dalle 9.00 alle 18.00)
Fax verde 800-279343
fmr@artespa.it
www.fmrspa.it

"L'immagine del vuoto" al Museo Cantonale d'Arte di Lugano

conferenza stampa venerdì 6 ottobre | ore 11.00 | inaugurazione venerdì 6 ottobre | ore 18.00 | museo cantonale d'arte | lugano


L'esposizione L'immagine del vuoto (1958-2005) intende indagare i molteplici aspetti della rivoluzione linguistica attuatasi nell'arte in Italia a partire dalla fine degli anni Cinquanta. A tal fine, appare irrinunciabile esplorare affinità, contaminazioni e contrasti tra il contesto sperimentale italiano - animato all'epoca da Fontana, Manzoni e Castellani - e Yves Klein, in quegli anni "attore" ben presente a Milano, sia sul piano espositivo che nell'intensità dello scambio dialettico. L'obiettivo è quello di far emergere, attraverso la ricerca di artisti quali Lucio Fontana, Yves Klein, Piero Manzoni, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Francesco Lo Savio, Gianni Colombo, Dadamaino, Giulio Paolini, Alighiero Boetti, Giovanni Anselmo, Luciano Fabro, Michelangelo Pistoletto, Gino De Dominicis e Ettore Spalletti una specificità tutta italiana, una linea sotterranea, quasi un'anomalia che percorre in modo sottile questa linea di ricerca nel panorama europeo del secondo Novecento. La mostra intende individuare quella linea che contrappone alla componente "espressiva" più praticata e diffusa, una matrice "evocativa" di segno metafisico. Ovvero l'esigenza, comune a questi artisti, di porre tra parentesi la propria identità psicologica e soggettiva per formulare la nozione impersonale e assoluta di artefice dell'opera. Dopo la stagione informale, caratterizzata dalla centralità dell'Io, dal primato del soggetto, la nuova generazione ambisce a oltrepassare la frontiera dell'immateriale, dove il vuoto come spazio pittorico autentico, l'infinito come dimensione, il colore assoluto, i codici della pratica artistica diventano elementi essenziali per configurare una nuova visione dello statuto dell'opera e della stessa identità dell'arte. Si analizza quindi una linea di ricerca che, pur nella sua portata innovativa, nel suo azzeramento radicale, sembra conservare la consapevolezza della necessità irrinunciabile dell'immagine. Immagine che si presenta "senza corpo", evitando peraltro di arenarsi nelle secche di un'arte di matrice analitica, dichiaratamente concettuale di tipo anglosassone, che rifiuta l'immagine per scelta pregiudiziale. Un'ottica che mai si affida a punti di vista puramente teorico-speculativi, ma che sceglie invece di tener fede al primato dell'immagine. L'esposizione giunge infine ad esplorare l'eredità lasciata da questi protagonisti del secondo Novecento all'ultima generazione, individuando - nel panorama attuale - quali aspetti di quella stagione permangono tutt'oggi nel vocabolario artistico italiano. Saranno presentate in tal senso opere di artisti quali Mario Airò, Francesco Barocco, Gianni Caravaggio, Martino Coppes, Daniela De Lorenzo, Chiara Dynys, Francesco Gennari, Eva Marisaldi, Amedeo Martegani, Sabrina Mezzaqui, Diego Perrone, Luca Trevisani, Francesco Vella e Italo Zuffi.

STRUTTURA DELLA MOSTRA
L'esposizione si articola in diverse aree di ricerca, in una ideale progressione che dallo spazio infinito del cosmo conduce allo spazio finito dell'immagine. Le sezioni tematiche, precedute da un antefatto e da un capitolo introduttivo, si articolano in "Spazio e cosmo", "La concretezza dell'infinito", "L'io incorporeo" "L'architettura del vuoto", "I codici della visione". Il fine è quello di visualizzare i diversi ambiti che concorrono alla configurazione di questa nuova concezione artistica, nonché alle sue complesse evoluzioni fino ad approdare all'orizzonte più recente.
Antefatto
Finita la seconda guerra mondiale, si afferma dovunque nel mondo un linguaggio artistico comune, una koinè dagli accenti tardo-romantici che si propone di dare libero sfogo alle emozioni. Si manifesta l'urgenza di dar voce all'interiorità con toni vibranti, spesso gridati, affidando alla materia bruta e al gesto, svincolato da ogni controllo formale, il messaggio angoscioso e liberatorio insieme che si vuole trasmettere. Gli anni Cinquanta del Novecento, nei quali si formano tutti i protagonisti della mostra, sono la stagione del "tutto pieno"; del "troppo pieno", anzi, agli occhi di questa generazione, che reagisce a quell'altissima temperatura emotiva raffreddando all'estremo la propria arte e scegliendo, all'opposto, il "tutto vuoto".
Introduzione
La sezione introduttiva indica i tre momenti "storici" dai quali discende l'intero progetto espositivo. Un "buco" di Fontana, un "monocromo" di Klein e una "linea" di Manzoni fissano i termini da cui la mostra si sviluppa. Fontana stesso ci fornisce una traccia con queste sue parole riferite a Carla Lonzi - con l'abituale tono colloquiale - in occasione della stesura del volume di interviste Autoritratto, 1969: ". Incomincia a essere valido Klein quando fa tutto bleu, che è una dimensione... Lui l'ha intuito lo spazio, però, te lo dico io, quelli, proprio, che l'hanno capito siamo io e Manzoni: Manzoni con la linea all'infinito e, fino adesso nessuno l'ha raggiunto, guarda, con tutte le sperimentazioni che stan facendo, è la scoperta più grande che ci sia, e io col buco.."
Spazio e cosmo
La vertigine dell'idea di universo provoca la perdita di dimensione dell'opera: una Natura di Fontana, una Sculpture éponge di Klein, il Senza titolo di De Dominicis concorrono ad aprire nuovi confini che oltrepassano i limiti convenzionali del quadro. Domina la tensione verso una concezione assoluta dell'immagine che superi ogni forma di condizionamento relativizzante per raggiungere la massima libertà spirituale e la purezza dell'essenza cosmica.
La concretezza dell'infinito
Il quadro non è più una composizione di elementi, lo spazio entro cui si mette in scena la lotta tra forme e colori nel dominio emozionale, bensì una rappresentazione visibile e concreta dell'assoluto nell'immagine. Un taglio Concetto Spaziale (Attese) di Fontana, una Superficie di Castellani, una carta quadrettata (Cimento dell'armonia e dell'invenzione) di Boetti fissano i termini di una nuova concezione dell'opera.
L'Io incorporeo
Il processo di smaterializzazione dell'immagine arriva a sottrarre sostanza alla stessa figura dell'autore o del soggetto rappresentato. Nove xerox Anne-Marie di Alighiero Boetti, o Alias di Martegani, non corrispondono alla testimonianza della loro immagine, ma abbandonano la consuetudine della tradizione e intraprendono la via dell'impersonale eliminando qualsiasi residuo di riflesso figurativo.
L'architettura del vuoto
Pone l'accento su una ricerca spaziale orientata verso la tridimensionalità, intesa non più come scultura, ma come integrazione reciproca tra spazio e oggetto. Un Filtro di Lo Savio, una Strutturazione pulsante di Colombo testimoniano di questa esperienza.
I codici della visione
È il capitolo che affronta, infine, la rivoluzione linguistica provocata dalla consapevolezza che l'autore assume nei confronti degli strumenti e dei termini di linguaggio della pratica artistica, intesa come effettivo soggetto dell'opera. Vedo (l'opera completa di Edouard Manet come decifrazioni del mio campo visivo) di Paolini o Da mille a mille di Boetti configurano visioni al contempo individuali e universali, manifeste e cifrate, dettate dall'osservanza dei codici formali della rappresentazione.
Le sezioni tematiche sopra delineate sono visualizzate in mostra attraverso circa 100 opere, di cui quelle qui nominate costituiscono il riferimento essenziale ed ideale. Le opere, generalmente concesse in prestito da Musei, Archivi, Fondazioni e privati, sono in alcuni casi provenienti dalle collezioni degli artisti stessi. Particolare attenzione viene rivolta, infatti, alle opere a loro appartenute all'epoca, al fine di tentare di ricostruire le reciproche relazioni, attestazioni di stima, affinità intellettuali.

L'Immagine del vuoto
Dal 7 ottobre 2006 al 7 gennaio 2007
Orari: martedì 14-17, da mercoledì a sabato 10-17, domenica 11-18. Chiuso lunedì
Ingresso: Fr. 10.- , ? 7,00, anziani, studenti e gruppi Fr. 7.-, ? 5,00
Mostra a cura di Marco Franciolli, Direttore Museo Cantonale d'Arte, Bettina Della Casa, Curatrice Museo
Catalogo: Introduzione di Marco Franciolli. Testi di Bruno Corà, Bettina Della Casa, Marcello Ghilardi, Tony Godfrey, Ada Masoero, Giulio Paolini, Annemarie Sauzeau, Dieter Schwarz e Elena Volpato. Schede di Simone Menegoi. Italiano/inglese. Skira

Museo Cantonale d'Arte - via Canova 10 - 6900 Lugano
tel. + 41 91 9104780 - fax + 41 91 9104789
decs-mca@ti.ch
www.museo-cantonale-arte.ch

Marcus Antonius Jansen URBAN-EXPRESSIONISM             A leader since 1997 in modern urban expressionism, bringing a new sophistication to urban art - Marcus Antonius Jansen Book Release 2006     Date: August 31, 2006   Contact: Michaela Jansen, 239-369-0846   email: info@marcusjansen.com web: www.marcusjansen.com

"Marcus understands the language of Contemporary Art. His work is loose and spontaneous. I have been in many Galleries and Museums and good work catches my eye, so did his". - Jerome A. Donson, Director of the Long Beach Museum and American Vanguard Exhibitions Europe 1961.   Modern Urban Expressionism, is renowned artist Marcus Antonius Jansens first solo book release showing a collection of the artists famous "Lifescape" urban paintings that cross urban graffiti elements with sophisticated abstract expressionistic brsuhstrokes in mostly full page spreads and offers a biographical overview about the artists world travels and  experiences transforming his life from a soldier to the visual arts.   Viewers will find, photos and a critical essay by Florida resident and Author/Art critic Gerri Reaves Ph.D “From Exile to Redemption in the ‘Prairies of Stone’ as well as Testimonials by Renowned Digital artist Laurence Gartel, former instructor to Andy Warhol on computers and fellow classmate of Graffiti artist Keith Haring. Special reviews by Monty Montgomery - President of the American Academy of the Arts Florida and Jerome A. Donson, Museum Director and in charge of the American Vanguard Exhibitions Europe 1961, that included artists such as (Jackson Pollack, Robert Rauschenberg, Willhelm De Kooning and many from the abstract expressonist movement).   The Jansen book, follows three other releases this year were Jansen was chosen be featured in. Otherbooks include: Famous Contemporary artists by World of Art Books London and Illuminations book, supported by Nobel Prize winner Desmond Tutu. Jansen was selecte among over 180 artists from 43 different countries in the world. The book, (printed 1000 copies first run) will be available through Jansens representing Galleries in New York City, Naples, Paris France, Los Angeles California, Ft. Myers and Atlanta Georgia as well as online book stores accessible worldwide.   Jansen will appear on FOX 4, NBC 2 News and WGCU Radio. For Museums, Bookstores, Galleries, TV media, Radio and organizations wanting to schedule book signings with the artist in attendance or who would like to carry the book, after scheduled book release on November 19th 2006.   You may contact us anytime for wholesale prices. Preorders are now being accepted!   Between now and September 29th save $10.00, only pay $39.95 for your signed copy available November 2006. Book retail after September 29th 2006: $49.95. Only limited signed copies available!   Visit Marcus Antonius Jansen online to get on our (preorder list now!) and see preview and more: www.marcusjansen.com or write info@marcusjansen.com   Marcus Antonius Jansen TEAM A Leader in Modern Urban-Expressionism Fort Myers, Florida (U.S.A) t: 239.369.0846 f: 239.369.0846 www.marcusjansen.com info@marcusjansen.com

Sculture in vetro al MMKK Museum Moderner Kunst Kärnten di Klagenfurt in Austria

vernissage 9 settembre | ore 19.00 | MMKK museum moderner kunst kärnten |klagenfurt (austria)


La tradizione del vetro d'arte di Murano e la modernità: un incontro sognato e realizzato da Adriano Berengo attraverso la Collezione Berengo, di cui si celebra quest'anno il quindicinale, che rappresenta una delle esperienze più innovative dell'arte contemporanea veneziana.
La mostra "FACING 1200 °C. Sculture in vetro dalla Berengo Collection, Venezia", in programma dal prossimo 9 Settembre presso l'MMKK, Museo di Arte Moderna di Klagenfurt (Austria), testimonia della suggestione esercitata dal vetro su numerosi artisti contemporanei provenienti da oltre 20 paesi.

Germogliato alla fine degli anni 80, il progetto ha dato i suoi frutti nel 1990, quando i primi artisti invitati da Berengo hanno affiancato i maestri vetrai di Murano nel tentativo di liberare il vetro dalla tradizione veneziana, senza dimenticarne l'eccezionalità, e di renderlo materia viva per opere al contempo plastiche e pittoriche.
L'amore di Adriano Berengo per il vetro ha conferito dignità a questa materia e ne ha sostenuto l'utilizzo come mezzo artistico ed espressivo. Con risultati straordinari, ha supportato il lavoro di numerosi artisti, già conosciuti ed emergenti, nell'ideazione delle loro opere in vetro, incoraggiandoli a trasformare arti bidimensionali, quali la pittura e il disegno, in eccezionali sculture in vetro.
L'approccio dell'artista contemporaneo alla tradizione artigiana di Murano ruota attorno alla centralità del vetro non come materiale e sostanza di un manufatto, ma come vettore inimitabile di una serie di implicazioni tecnologiche, concettuali ed emozionali che il vetro, come pochi altri materiali, rappresenta.
L'unicità di questo materiale, le cui qualità, la lucentezza, la fluidità e la trasparenza costituiscono la sua stessa sostanza, è il punto di partenza di una esperienza artistica che sposa alla perfezione alcune delle istanze e delle utopie dell'arte contemporanea: l'esplorazione del limite, lo studio del linguaggio, la rappresentazione della luce e il rapporto, più o meno conflittuale, con la tradizione.
Il supporto e l'incoraggiamento di Berengo verso la creatività prevede la soluzione di complessi problemi tecnici per trasformare il vetro secondo le richieste degli artisti, per far sì che i sogni e le idee più difficili si materializzino attraverso il vetro.

Peggy Guggenheim, nei lontani anni '50 aveva intuito già tutto ciò ed aveva riunito nella "Fucina degli Angeli" i più famosi artisti dell'epoca, che ancora oggi restano gli indiscussi protagonisti della storia dell'arte moderna quali Picasso, Chagall, Ernst, Braques e Fontana, tanto per citarne alcuni.
Seguendo "le orme di Peggy" ed elaborandone l'intuizione artistica in maniera più strutturata (presenza dell'artista durante la realizzazione dei prototipi, approvazione dell'artista mediante firma sulle opere stesse ed edizione di certificato di autenticità e catalogo a corredo di ogni scultura prodotta) Berengo ha continuato, dal lontano 1990, a proporre l'idea di realizzare vetri d'autore.
La nuova e vulcanica fucina di interpreti che continua a ruotare attorno alla personalità di Adriano Berengo ha cambiato il volto della produzione vetraia tradizionale, rivitalizzando la linfa di un settore in crisi, che per anni si è riprodotto uguale a sé stesso senza riconoscere le istanze del mercato e del mondo moderno.
È dunque l'intuizione poetica di questi artisti, unita alla perizia artigianale dei maestri vetrai di Murano l'alchimia da cui nascono le splendide sculture esposte per la prima volta al MMKK (Museo d'Arte Moderna) di Klagenfurt. Nelle 14 sale del museo, su una superficie di oltre 1000 m.q., si snoderà un affascinante percorso che toccherà i principali artisti della Collezione Berengo, con un omaggio speciale a Kiki Kogelnik e Robert Zeppel-Sperl.

Artisti in mostra
Christoph Kiefhaber, Kiki Kogelnik, Robert Zeppel-Sperl, Paul Flora (Austria ), Adi Holzer (Austria/Denmark), Gerda Gruber (Austria/Mexico), Jan Van Oost, Koen Vanmechelen, Mark Brusse, Reinhoud D'Haese (Belgium), Claude Venard, James Coignard (France), Elvira Bach, Irene Rezzonico (Germany), Dusciana Bravura, Luigi Benzoni, Ursula Huber, Pino Castagna, Riccardo Licata Sandro Sergi, Sergio Bovenga, Silvio Vigliaturo, Roberto Matta, Aldo Mondino, Luciano Zarotti (Italia), Imai Toshimitsu, Shozo Shimamoto, Teruo Onuma, Koji Kinutani (Japan), Lolita Timofeeva (Latvia), Marya Kazoun (Lebanon/Canada), Hannes Van Es, Michael Van Overbeeke (NL), Tatiana Zhurkov (Russia), Juan Ripollés (Spain), Irene Naef (Switzerland), Bengt Lindstroem, Ernst Billgren, Henrik Allert, Erik Dietman (Sweden), Paul Bradley (UK)

La mostra è resa possible dal sostegno del Dipartimento alla Cultura del Governo Regionale Carinziano. L'auspicio degli organizzatori è di trasmettere al pubblico tutto lo stupore, la curiosità e l' immaginazione che il vetro contiene e l'arte sublima.

FACING 1200 °C. Sculture in vetro dalla Berengo Collection, Venezia
Dal 10 Settembre al 5 Novembre 2006
ORARI: Martedì - Domenica 10.00 - 18.00 / Giovedì 10.00 - 20.00
MMKK Museum Moderner Kunst Kaernten
Burggasse 8/ Domgasse - 9020 Klagenfurt (Austria)
T ++43(0)50.536.30542 - F ++43(0)50.536.30514
office.museum@ktn.gv.at
www.mmkk.at

Gestire e valorizzare le risorse culturali. I percorsi della Luiss Business School

RISORSE CULTURALI E SVILUPPO DEL TERRITORIO
in programma dal 18 ottobre
Corso destinato a: Assessori, funzionari e dirigenti delle Regioni e degli Enti Locali preposti alle aree cultura, sport, spettacolo, politiche giovanili, politiche sociali, comunicazione e istruzione; progettisti, valutatori e professionisti che operano in Fondazioni e Associazioni culturali; consulenti esterni delle amministrazioni locali.
Al termine del corso i partecipanti avranno sviluppato e acquisito: competenze in materia di finanziamento, progettazione, gestione, organizzazione e nuove tecnologie; approcci innovativi al disegno dell'azione pubblica in materia di arte e cultura; competenze analitiche ai fini del monitoraggio e della valutazione dell'impatto economico della cultura.

ARTS & HERITAGE MANAGEMENT
in programma dal 23 ottobre
Corso destinato a giovani laureati e laureandi in tutte le discipline universitarie, che ha l'obiettivo di trasferire competenze gestionali, progettuali e imprenditoriali, per operare all'interno di Istituzioni Pubbliche e Aziende Private nella gestione del patrimonio artistico e culturale.
L'attività didattica troverà completezza nella possibilità di partecipare ad uno stage presso strutture pubbliche o private del settore quali musei, pinacoteche, gallerie, centri espositivi, palazzi, fondazioni, associazioni culturali, istituzioni pubbliche e aziende. L'iscrizione al Corso è subordinata al superamento della prova di selezione, costituita da un test psicoattitudinale e da un colloquio tecnico/motivazionale.

Per maggiori informazioni sui programmi e sulle modalità di iscrizione:
lbs@luiss.it
Tel: 0685222.256 - 240
www.lbs.luiss.it
Luiss Business School
Divisione di Luiss Guido Carli
Via Yser, 18
00198 Roma

Per la Notte Bianca Jean-Baptiste Ganne a Villa Medici

a partire dall' 8 settembre, 5 giorni non-stop | visibile in particolar modo dopo il tramonto e tutta la notte | accademia di francia | roma


Sarà dalla finestra di una camera dell'Accademia di Francia, di fronte alla città di Roma, che una lampada rossa leggerà, a partire dall'8 settembre 2006, in codice morse luminoso, "Che fare ?", il testo che Lenine scrisse nel 1902 per rispondere alla propria interrogazione. Riconosciamo che la questione si pone, politicamente e esteticamente.

Il cinema di Godard ("Che cosa posso fare ? Non so cosa fare.") e quello di Moretti ("Che cosa significa, oggi, essere comunisti ?") tentarono di riformulare questa stessa domanda ma omisero il fatto che il "comunismo è il potere ai sovietici più l'elettrificazione". Conserveremo quindi l'elettrificazione, più lenitiva (e altrettanto leninista). Si tratta di chiedersi cosa può diventare questo ideale rivoluzionario in un mondo macchina dove il gigantesco progetto di elettrificazione sarebbe ridotto ad un timido lampeggiamento da una finestra isolata (e cosa dire del potere ai sovietici menzionato sopra?). Sarà quindi un'alternanza di segnali corti e lunghi che leggerà questa risposta alle domande brucianti che si pone ogni rivoluzionario che sa decifrare il morse. Per gli altri, questo potrebbe evocare loro o l'impossibilità stessa di questa rivoluzione, o la bellezza delle lettere che Gramsci scrisse dal carcere à Tatiana, Julca o Tania.

Le attività culturali dell'Accademia di Francia a Roma sono realizzate sotto l'alto patrocinio del Ministère de la culture et de la communication e grazie al sostegno di Air France.

Che fare?
venerdì 8 e sabato 9 settembre 2006
Académie de France à Rome - Villa Medici
Viale Trinità dei Monti, 1 - Roma
www.villamedici.it
Ufficio stampa: Avril Cassanas
Tel +39 06 67 61 291
Fax fax +39 06 67 61 243
stampa@villamedici.it
Ufficio Comunicazione: Muriel Sautour
communication@villamedici.it

Picagallery - via Vetriera 16, 80132 Napoli
081426507 - 3337388329

pick@picagallery.it

Una fiera che è una grande festa dell'arte, riservata ad artisti singoli e a gallerie private a un costo simbolico:

Sardegna Arte Fiera 2 (seconda Edizione)
dal 6 all'11 Ottobre 2006

Cagliari, Stabilimento balneare il Lido

Dopo il successo della scorsa edizione, la Sardegna Arte Fiera (SAF) si ripropone con la stessa freschezza e originalità: infatti più che una fiera è una festa dell'arte e della cultura in uno scenario unico, Il Lido, storico stabilimento balneare di Cagliari, trasformato anche quest'anno in un immenso atelier sul mare.

Lo staff di Sardegna Arte Fiera è già all'opera per creare anche quest'anno una proposta che si apra ai linguaggi contemporanei più diversi: pittura, scultura, installazioni, video, musica, teatro e poesia.

La manifestazione prevede la partecipazione di gallerie d'arte, associazioni culturali, Accademie d'arte, singoli artisti, allievi di accademie. Una particolare attenzione sarà posta ai Progetti curatoriali.

Sardegna Arte Fiera si svolgerà dal 6 all' 11 ottobre (orario di apertura: 10.00-22.00), con ingresso gratuito, nell' area dello Stabilimento balneare Il Lido. Si prevede un'affluenza di almeno 10 mila persone.

La formula è molto curiosa e divertente: una cabina a ogni artista.
Ciascuno potrà essere presente con una piccola personale, disponendo di 18 mq di pareti e 6mq di superficie coperta calpestabile.
Inoltre saranno messi a disposizione spazi esterni alle cabine (tunnel o spiaggia) dove poter realizzare performnaces o installazioni speciali..
Sarà curata la pubblicazione di un catalogo ad ampia diffusione ove ogni artista sarà presente con una scheda informativa ed una foto a colori di una delle opere esposte.


LE MODALITA' DI PARTECIPAZIONE
Gli interessati dovranno presentare una proposta espositiva corredata da un breve curriculum artistico e da foto di proprie opere.
Una volta selezionati, i partecipanti dovranno compilare ed inviare il modulo di partecipazione disponibile sul sito internet (www.sardegnaartefiera.it.) con allegata copia della ricevuta del versamento della quota d'iscrizione, pari a 300 euro per l'utilizzo di una cabina o 100 euro per l'utilizzo degli spazi esterni (tunnel e spiaggia).

Quest'anno è previsto uno sconto per tutti gli studenti, che potranno usufruire della cabina al modico costo di 100 euro.

Il versamento dovrà essere fatto sul c.c.p. n. 61582417- ABI 07601- CAB 04800 intestato ad Associazione Culturale Artegiovane Via dei Genovesi 48 - 09124 Cagliari.

Per ulteriori informazioni contattare la segreteria all'indirizzo email segreteria@sardegnaartefiera.it o consultare il sito internet www.sardegnaartefiera.it.


Coordinatrice SAF: Francesca Sassu
Cell. 3402640505 email: francescasassu@sardegnaartefiera.it

Continua la retrospettiva di Thomas Ruff alla Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia

fino al 15 ottobre 2006 | a cura di filippo maggia | fondazione bevilacqua la masa | galleria piazza san marco | palazzetto tito, dorsoduro | venezia


La Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia sta ospitando la prima importante mostra retrospettiva in Italia del fotografo tedesco Thomas Ruff. La rassegna è curata da Filippo Maggia, responsabile per la Fotografia della Fondazione Bevilacqua La Masa. La duplice esposizione si svolge nelle due sedi della Fondazione, la galleria di piazza San Marco e lo spazio espositivo di Palazzetto Tito.
La mostra si presenta come il primo appuntamento ad offrire una visione complessiva del lavoro dell'artista tedesco e si propone, come già quella dedicata a Philip Lorca di Corcia e la prossima retrospettiva su Yasumasa Moritura (2007), come ulteriore dimostrazione dell'interesse che la Fondazione Bevilacqua La Masa sta sviluppando per il linguaggio fotografico.
La retrospettiva comprende una sostanziosa selezione di opere tratte dalle sue più celebri serie, fra cui i "Portraits" in piccolo e grande formato, con la variante dei "Blue Eyes", i notturni metallici da "Nights", i cieli stellati di "Stars", i più recenti "Nudes" e "Machines", fino agli utlimi "Jpeg" presentati alla 51ma Biennale di Venezia. Tra opere in piccolo, medio e grande formato sono previste a Venezia circa 120 opere.
Noto al grande pubblico fin dalla metà degli anni Ottanta per i grandi ritratti di studenti suoi coetanei, l'artista tedesco è da sempre fine sperimentatore del mezzo fotografico e delle sue numerose possibili declinazioni. Ruff si distingue da altri fotografi tedeschi della sua generazione - sovente accomunati sotto la dicitura "Scuola di Dusseldorf" - proprio per la sua capacità e determinazione nel cambiare metodo e approccio al linguaggio fotografico: sono i suoi soggetti a determinare nuove indagini e inaspettate soluzioni stilistiche. Partendo infatti dal presupposto che la fotografia sia in grado di catturare solamente la superficie delle cose, "l'autenticità di una realtà prestabilita e manipolata", Ruff volge tutto il suo interesse alla costruzione dell'immagine ed alla sua manipolazione durante i processi di stampa. Ne è riprova la sua predilezione per il colore a scapito del bianco e nero asciutto, caratteristica che cambia completamente la tradizione della fotografia documentaristica.

The Grammar of Photography è il titolo non casuale della retrospettiva a lui dedicata. Si tratta di una selezione di 120 lavori che tracciano un percorso pressoché completo della sua produzione, dalla metà degli anni Ottanta sino ad oggi. Una vera e propria "grammatica" della fotografia ove, capitolo dopo capitolo, Ruff si esercita in sperimentazioni linguistiche che provano a rileggere, ogni volta attualizzandolo e contestualizzandolo, il codice fotografico. In mostra compare infatti una serie di immagini "stereo" e di ritratti "ritoccati" realizzati secondo la tecnica in uso a metà Ottocento. Un percorso che parte quindi dai primi e innovativi ritratti - primi piani dei compagni di accademia, dopo qualche anno esplosi nei grandi formati che lo hanno reso celebre in tutto il mondo - per proseguire con l'infinità dei cieli puntellati di stelle e delle notti spiate attraverso la metallica luce verde delle ottiche in uso ai militari, sino alle serie realizzate negli ultimi anni, in cui prepotentemente l'immagine tecnologica, con tutte le sue declinazioni, sfonda, dilatandolo, il campo fotografico tradizionale, per creare link decisamente sorprendenti. Nonostante ciò, Ruff guarda sempre ai fondamenti del linguaggio fotografico, riconducendo innanzitutto ad esso ogni nuovo ragionamento, teorico ancor prima che tecnologico. Così si spiegano la serie "Abstract" e ancor più l'incredibile e commovente lavoro dedicato alle "Macchine" in uso presso le tipografie, come del resto i "Nudi" scaricati dal web e "ridipinti" su pellicola. Quasi fosse una sorta di riassunto epocale, che parte dalla sua esperienza ma si confronta con il mondo intorno, l'ultima serie JPG - ampiamente rappresentata in mostra e nel catalogo - racchiude in sé molti degli elementi che hanno da sempre caratterizzato il lavoro di Ruff. Accanto alla bellezza misteriosa di lontani siti archeologici o al romanticismo languido di alcuni paesaggi campeggiano severe le immagini della Cecenia, vulcani che eruttano, frammenti drammatici dell'11 settembre newyorkese. Un nuovo modo, esasperato forse, di rileggere le tipologie del mondo senza mai scostarsi da quella tradizione e da quell'approccio tipici della grande fotografia tedesca, oggi senza alcun dubbio la maggior espressione esistente. Non deve stupire, allora, che dopo il breve interregno di Jeff Wall, l'Accademia di Dusseldorf abbia voluto Thomas Ruff per la cattedra appartenuta per decenni a Bernd Becher.

Titolo: Thomas Ruff - The Grammar of Photography
Fino al 15 ottobre 2006
Ingresso: tutti i giorni, chiuso il martedì, 12.00-18.00; Intero 3 ?, Ridotto 2 ?
Galleria di piazza San Marco 71/c
Palazzetto Tito, Dorsoduro. Venezia
Informazioni: Giorgia Gallina, Francesca Volpato
Ufficio stampa Fondazione Bevilacqua La Masa
press@bevilacqualamasa.it
0039.041.5207797
Dorsoduro 2826, 30123 Venezia

Il Settecento in mostra alla Galleria di Palazzo Cini a San Vio a Venezia

inaugurazione venerdì 8 settembre | ore 18.00 | a cura di giuseppe pavanello e renzo mangili | galleria di palazzo cini a san vio | venezia


Dal 9 settembre 2006 Palazzo Cini a San Vio riapre al pubblico con una mostra dedicata alle Teste di Fantasia del Settecento Veneziano, organizzata dall'Istituto di Storia dell'Arte della Fondazione Giorgio Cini in collaborazione con CapitalArt.
La mostra, a cura di Giuseppe Pavanello e Renzo Mangili, vede esposta una serie di "teste di fantasia" o "teste di carattere", opere di numerosi artisti attivi a Venezia nel Settecento: circa trenta tele, parte di una collezione omogenea costituita tra la fine del Seicento e fine Settecento che formava il singolare parato decorativo di una sala del Castello di Somma Lombardo (in provincia di Varese), proprietà dei Visconti di Modrone.

Il nucleo più consistente è stato recentemente ritrovato, ancora indiviso, in una collezione privata, mentre il resto è stato pazientemente rintracciato in altre ubicazioni, anche museali. Emblematico il caso di uno dei Tiepolo della serie, il Ragazzo con libro del Museum of Art di New Orleans, scorporato dall'insieme all'inizio del Novecento e, fino a ieri, unico titolo noto.
La collezione del Castello di Somma Lombardo ha una peculiarità: il committente fece ricorso, per il suo programma intitolato alla 'testa di fantasia', ad artisti a lui contemporanei, diversi per stile e per fama, ma tutti attivi nella capitale della Serenissima.
Il puro elenco degli artisti, presenti nella serie "Visconti" con una o più opere ed esposti a San Vio, suggerisce l'importanza storica ed estetica del florilegio: Pietro Bellotti, Sebastiano Ricci, Silvestro Manaigo, Bortolo Litterini, Antonio Pellegrini, Girolamo Brusaferro, Santo Piatti, Nicola Grassi, Francesco Polazzo, Giambattista Piazzetta, Egidio Dall'Oglio, Giuseppe Nogari, Giambattista Pittoni, Gaspare Diziani, Bartolomeo Nazzari, Giambattista Mariotti, Felicita Sartori, Nazario Nazzari, Mattia Bortoloni, Giambattista Tiepolo, Giacomo Ceruti, Pietro Longhi, Giambettino Cignaroli, Francesco Fontebasso, Jacopo Marieschi, Domenico Maggiotto, Giuseppe Angeli, Alessandro Longhi, Giambattista Mengardi, Francesco Maggiotto, Giuseppe De Gobbis, Saverio Dalla Rosa.

La mostra Teste di Fantasia del Settecento Veneziano ricostruisce quindi il prezioso ciclo disperso e fornisce l'occasione per approfondire un capitolo poco sondato dell'arte settecentesca.

Teste di Fantasia del Settecento Veneziano
Dal 9 settembre al 22 ottobre 2006
Orari di apertura: Tutti i giorni 10.00-13.00 e 15.30-18.30. Chiuso il lunedì
Ingresso alla Galleria di Palazzo Cini: Intero ? 6.50 Ridotto ? 5.50 (studenti fino ai 26 anni; over 65; residenti del comune di Venezia; titolari Venice Card)
Catalogo: Marsilio Editori
La mostra Teste di fantasia del Settecento veneziano è stata organizzata con il sostegno della Regione del Veneto.
Informazioni:
Istituto di Storia dell'Arte Fondazione Giorgio Cini
tel. 041 2710230
fax 041 5205842
arte@cini.it
www.cini.it

Gulay Alpay Solo Exhibition September 8 - 17, 2006           Curator: Tchera Niyego   Location: Turkish Center - Culture and Tourism Office Gallery, 821 United Nations Plaza - New York, NY 10017   email: art@gulayalpay.com more details: www.gulayalpay.com

NY Gershwin Hotel invited Gulay Alpay for 2006 Artists in Residence program. She will show at Gershwin Art gallery her silk pop art painting during September.   Gulay Alpay has a group show “doodle” at Broadway Gallery in New York.   “Gulay Alpay’s work crosses barriers of language and culture, speaking of the universal appreciation for nature’s beauty. Her heart-felt commitment inspires us all.” (Meltem Onhon, Director, Turkish Culture and Tourism Office, New York)   “Gulay Alpay’s work displays delicacy and fragility, revealing a deep respect for something fundamental; some primal, indigenous sense of shape and color, yet she creates with bursts of contemporary idioms. Her paintings are playful, spirited, freeform and deceptively complex. There’s not a single corner, hard edged, geometric line to be found in her composition, instead the shapes are as fluid as the submerged sounds that fuel her imagination. There are connections to Sigmar Polk, Arshile Gorky, Kandinsky, Pollock, De Kooning, and less obvious, Josef Beuys. Alpay’s oeuvre is organic, her shapes biomorphic. The fact that almost all of her work is on silk is itself a trademark, a signature. Some of the work is unframed, hung like a banner suggesting freedom of material and color; the form does not confine them. On the other hand, when the works are framed, she places a layer of foam behind them that stretches the silk into deeper curves, extending the shape and colors. This method gives it a playful, satirical, even Pop-arty, dimension. Like taking a piece of exotic tapestry or embroidered pillow case fabric and framing it to the wall, Alpay plays with the boundaries between craft and fine art. It is humorous and ironic, and in the end you take notice: you are surprised by its beauty and grace. (Abraham Lubelski)   Gulay Alpay’s work displays delicacy and fragility, revealing a deep respect for something fundamental, some primal, indigenous sense of shape and color, yet she creates with bursts of contemporary idioms. Her paintings are playful, spirited, freeform and deceptively complex. There’s not a single corner, hard edged, geometric line to be found in her composition, instead the shapes are as fluid as the submerged sounds that fuel her imagination. There are connections to Sigmar Polk, Arshile Gorky, Kandinsky, Pollock, De Kooning, and less obvious, Josef Beuys. Alpay’s oeuvre is organic, her shapes biomorphic. In her latest series, she’s inspired to save the whales, but the images are part of the abstract motifs with occasional words and phrases that are distractions from an otherwise controlled, well-articulated, passionate technique. It has been ten years since Alpay was initially inspired by the songs of whales, and her work has become freer and more experimental since this point. The fact that almost all of her work is on silk is itself a trademark, a signature. Some of the work is unframed, hung like a banner suggesting freedom of material and color; the form does not confine them. On the other hand, when the works are framed, she places a layer of foam behind them that stretches the silk into deeper curves, extending the shape and colors. This method gives it a playful, satirical, even Pop-arty, dimension. Like taking a piece of exotic tapestry or embroidered pillow case fabric and framing it to the wall, Alpay plays with the boundaries between craft and fine art. It is humorous and ironic, and in the end you take notice: you are surprised by its beauty and grace. (Abraham Lubelski)   writer-criticer-artist: Yilmaz Zenger I have seen the paintings of Gülay the first time in New York in Broadway Gallery’s archive. At first glance the material used have confused my mind: Silk. Besides, it carried me to my own past, to the silky dresses we have produced with Güler Umur. They had been hand-painted. Painting silk is inister. It is completely different from painting on canvas. It is a must on dressings, but here why as a peinture? First I thought maybe Gülay expects a kind of experimentalism for the form of the painting. But, where it reaches now -in her own words- the transparency and light-reflect ability of silk gives value to the painting as one can look at the paintings both from inside and outside. Gülay finds her material special and valuable due to its thin transparent texture, reflect ability of light, hard to get wrinkled, easy going with silk ink, openness to the spontaneous surprises… giving opportunity and freedom for big scale works, being light and easy to transform… presenting different material choices from canvas… easy to exhibit and most of all the best for the things Gülay wants to show. She loves her material, and thinks about it as a magical material upon which she can reflect her spontaneous expressions of her energy and spirit immediately.   It is obvious that she doesn’t intend to present paintings in the ordinary way.  The carriers of art objects aren’t considered important, we don’t put them in the design process. Gülay turns this upside down and gives the best place to the carrier. Thus her paintings take the long way till she gets her brush in her hand. Besides, she says that she finishes the painting in her head before she begins to paint with brush. She says she works very fast and without break once she begins. Her paintings approve this speed and continuity as well. The paintings define the needs as they appear. Forms appear, articulate in this process and the content is vowen just like a silk. As a result, this extraordinary speed takes her mind after her hand and the paint produces itself by almost being woven on Gülay’s loom. An orgasm with all spontaneous sensitivities out of will -colours, calligraphy, but under control by the experience. Almost a physical satisfaction. A sharp conflict between the material and the content.   According to Gülay, her last work is an illuminated, transparent painting room for her paintings. Well. This definition clears her analysis upon the painting and audience relation. The two dimension of painting follows another here in this image-carousal surrounding the audience where she arrived with her instinct of passing over of the painting plane. In short, this micro cosmos which have been formed by the differentiation of relations with the paintings, forms a 3rd dimension which the relations call a mental benefit into being. She says that there will be the sounds of whales in the room -the original recordings of Jim Nollman. The audience will be able to walk in and around the art object. I think that music is the right support for this 3rd dimension. The desire for painting big scales is like an emulation to the productivity of a documentary camera. The so-called space is a clear definiton, almost cinematographicaly.... In short these are her dreams on the projection of painting.   If we come to the content of the paintings of Gülay, I am afraid that my knowledge of perception and design will be out of service. I feel in a place where I m not totally competent and I can tell about my feelings in the name of being an audience.   She is a professional painter who have stabilized, completed her way of painting, in the literal sense. When it comes to the content of the painting, experimentalism have been pushed back where it had to be. The analogy in her paintings is a product of this dignity. Why she says that “my painting involves concepts beyond the classical senses of time and space.. It is as if there is more than one space and time and where one finishes, the other begins is also unknown’’, and why she tightly holds on to the two dimension is maybe because of the pressure of our traditional art. It is also possible to say that her effort for third dimension is also a reaction to this pressure. Abraham Lubelsky defines her position in the painting cosmos as playful, satirical, even Pop-arty and he adds "Like taking a piece of exotic tapestry or embroidered pillow case fabric and framing it to the wall, Alpay plays with the boundaries between craft and fine art. It is humorous and ironic’’, “There are connections to Sigmar Polk, Arshile Gorky, Kandinsky, Pollock, De Kooning, and less obvious, Josef Beuys."

IED: che corso vuoi dare alla tua vita?

Da quarant'anni l'Istituto Europeo di Design opera nel campo della Formazione e della Ricerca, nelle discipline del Design, della Moda, delle Arti Visive e della Comunicazione.

Oggi è un Network Internazionale in continua espansione, con Sedi a Milano, Roma, Torino, Madrid, Barcellona e São Paulo, che offre un servizio di formazione completo, teorico e pratico, ai giovani creativi che si affacciano alle nuove professioni emergenti.

Dal 1966 IED ha sviluppato una metodologia didattica innovativa e diversificata, incentrata sulla cultura del progetto, sulla sinergia tra tecnologia e sperimentazione, creatività, strategia e comunicazione integrata, aspetti di mercato e nuove professionalità.

Le Scuole di "Sistema IED"
IED Moda Lab, IED Design, IED Arti Visive e IED Comunicazione sono le Scuole di "Sistema IED" , realtà complete nella struttura e nell'offerta in costante complementarità, che rispondono alle esigenze del mondo del lavoro, attraverso percorsi didattici mirati alle reali necessità dei settori di riferimento, unificate dalla comune cultura del progetto.

Ogni scuola offre un'ampia offerta formativa: corsi triennali post-diploma, master e corsi di aggiornamento e specializzazione. I Corsi Triennali Post Diploma sono pensati per coloro che vogliono acquisire una conoscenza completa del processo creativo nella disciplina scelta e forniscono strumenti efficaci per inserirsi con sicurezza nel mondo del lavoro. I Corsi di Aggiornamento e Specializzazione si rivolgono a chi, gia in possesso di una preparazione culturale di base nel settore di interesse, desideri approfondire o aggiornarsi su temi specifici. Per chi vuole, invece, acquisire competenze specialistiche in settori nei quali abbia gia una formazione accademica e professionale l'Istituto offre una ampia selezione di Master, Corsi di Formazione Avanzata e Research Study Program.

I Master IED
I Master e i corsi di formazione avanzata organizzati dall'Istituto Europeo di design si rivolgono a laureandi, neolaureati, operatori aziendali e professionisti che desiderano acquisire o approfondire una competenza specifica nelle aree del design, della comunicazione, del marketing e della multimedialità.
La struttura didattica scelta per raggiungere questi obiettivi si basa su un armonico rapporto tra teoria e pratica che consente ai partecipanti, attraverso esercitazioni e simulazioni su case history, di sviluppare competenze a livello pratico operativo.
Le lezioni sono tenute da professionisti di rilievo del mondo del design, dello spettacolo e della comunicazione, provenienti in gran parte da studi professionali di rilievo e aziende leader di settore, che sono i partner per la realizzazione dei nostri master.
Per stabilire un contatto diretto con il mondo del lavoro e mettere in pratica gli strumenti operativi appresi in stretta connessione con l'evoluzione dei diversi settori, l'Istituto offre la possibilità di effettuare stage presso le principali realtà di riferimento. La frequenza dei corsi prevede formule weekend o full time, particolarmente adatte per chi è gia entrato nel mondo professionale.
Dal 2002 l'istituto propone i Master Research Study Program (RSP) , percorsi di ricerca a tempo pieno caratterizzati da approfondimenti specializzanti in aree disciplinari, che hanno assunto, oggi, una propria identità e che richiedono professionisti altamente qualificati, che svolgano la propria attività di progettisti in ambiti specifici rispetto ai tradizionali campi di applicazione professionale.

Master RSP (Annuali)
Sono percorsi di ricerca a tempo pieno, di durata annuale, caratterizzati da uno stretto rapporto di collaborazione con aziende che supportano attivamente lo sviluppo di progetti sperimentali nei campi e nelle competenze specifiche acquisite in questi anni da ciascuna sede dell'Istituto.

Master
Corsi master a tempo pieno, con formula semestrale o annuale, della durata minima di 400 ore. Sono particolarmente indicati per studenti laureati e professionisti che intendono approfondire le loro competenze su argomenti specifici attraverso l'esperienza progettuale.
Corsi di Formazione Avanzata
Corsi di diversi livelli e durata, dalla Specializzazione all'Alta Formazione. Erogati in formula full time o week end, diurna o serale, sono particolarmente adatti a chi è già inserito nel mondo professionale.

Fra i corsi previsti per l'anno accademico 2006/2007 segnaliamo

DESIGN
Interior Design RSP- Milano
Industrial Design for sport extreme design RSP - Torino
Interior Design Master - Roma
Food Design - Progettare i modi e i luoghi del cibo Master - Roma
Interior Yacht Design FA - Roma

ARTI VISIVE
Packaging Design RSP - Milano
Graphic Design Management Master - Milano
Videogame Design Master - Milano
Graphic Design - Direzione e progettazione creativa FA - Roma
Web Design e strategy FA -Roma

MODA
Beauty & SPA Management RSP - Milano
Fashion And Textile Design RSP - Milano
Marketing per i beni di lusso Master - Roma
Stylist per lo spettacolo Master - Roma
Fashion Show FA - Milano

COMUNICAZIONE
Events Management RSP - Milano
Progettazione Editoriale - Dall'ideazione alle strategie di marketing e comunicazione RSP - Torino
Comuinicazione d'Impresa e relazioni pubbliche Master - Milano
Comunicazione e Marketing Master - Roma
Scrittura Pubblicitaria FA - Roma

Per maggiori info www.iedmaster.it

Yayoi Kusama per la prima volta alla Galleria Civica di Modena

inaugurazione 16 settembre | ore 12 | a cura di angela vettese con milovan farronato | galleria civica | modena


La Galleria Civica di Modena ospita la prima mostra personale di Yayoi Kusama in un museo italiano: inaugura infatti sabato 16 settembre alle 12 alla Palazzina dei Giardini in c.so Canalgrande a Modena la mostra "Yayoi Kusama. Metamorfosi", a cura di Angela Vettese con Milovan Farronato. La rassegna si inaugura contemporaneamente alla personale dell'artista svizzero Ugo Rondinone.

Progettata dall'artista medesima, la mostra si compone di installazioni ambientali, quadri e sculture oggettuali. Lo spettatore si troverà all'interno di un ambiente oscurato, nel quale sono stati distribuiti punti di colore illuminati: un modo per rendere appariscente quanto possa essere allucinato un semplice locale domestico, oppure camminerà in una stanza fatta di forme biomorfe e trasformata in un divertente labirinto, per giungere poi ai quadri in cui l'artista dipinge con maniacalità i suoi cerchietti o riempie scatole, scarpe, contenitori improbabili di piccole forme inquietanti, come microrganismi che ci assediano e come piccole escrescenze che crescono senza controllo. Ecco allora che emergono i fulcri su cui è disegnata l'esposizione e l'intera produzione dell'artista: l'odio/amore per il controllo, appunto, ma anche il fare manuale e la creatività in generale come antidoto all'ansia.

Persa dentro a un puntino e moltiplicata da muri di specchi: è così che vediamo Yayoi Kusama, la più importante artista giapponese vivente. Il fatto è che a Tokyo, negli anni Cinquanta, era difficile essere una ragazza con desideri di originalità e indipendenza. Sostenuta da un narcisismo divertito ma devastata da una sensibilità ossessionata, spinta dal desiderio di porsi allo stesso livello dei maschi, aiutata dal suo talento multiforme, Yayoi Kusama se ne andò negli Stati Uniti dove visse tra il 1957 e il 1973. Inserita nel fermento artistico di New York, non si sottrasse ad happening per la pace in Vietnam e soprattutto per l'autonomia femminile. Malgrado abbia girato film, redatto riviste e partecipato ad attività sperimentali di ogni tipo, il suo lavoro è ampiamente riconoscibile per l'utilizzo di pallini, reticoli, specchi e tutto ciò che mette in crisi la percezione, comunicando il suo disagio con opere che generano da una parte un vissuto giocoso, dall'altra una perdita dell'orientamento. La sua poetica si è comunque incrociata con quella di molti protagonisti del nostro tempo: ricordiamo le collaborazioni col musicista Peter Gabriel, con il fotografo Nobuyoshi Araki, con lo stilista Issey Miyake. Dopo la vasta notorietà raggiunta grazie a mostre tenute nei maggiori musei del mondo, in Italia l'hanno resa particolarmente nota le sue partecipazioni alla Biennale di Venezia, nel 1966 e nel 1993, quando fu scelta come rappresentante per la propria nazione d'origine: la ragazzina ribelle aveva vinto, anche se forse a prezzo del proprio stesso equilibrio.

YAYOI KUSAMA. Metamorfosi
Dal 15 settembre 2006 al 7 gennaio 2207
Palazzina dei Giardini. Galleria Civica di Modena
c.so Canalgrande, Modena
Info: Tel. +39 059 2032911, 2032940
fax 2032932
Orari: da martedì a venerdì 10,30 -13,00; 15,00 -18,00 sabato, domenica e festivi 10,30 -18,00. Chiuso il lunedì, 15,16 e 17 settembre, in occasione del festivalfilosofia 2006, apertura dalle 9,00 alle 23,00
Organizzazione e Produzione: Galleria Civica di Modena e Fondazione Cassa di Risparmio di Modena
Immagine: YAYIOI KUSAMA, Video Room, 2001, Installation view: Solo exhibition "Yayioi Kusama" at Maison de la culture du Japon, Paris ©Yayoi Kusama

Il mare bagna Napoli e la sua Notte Bianca: per la seconda edizione di quello che si propone come il più importante appuntamento internazionale della città, il tema sarà "Il Mediterraneo, un mare di cultura".

Anticipata da alcune iniziative che si svolgeranno nei due giorni precedenti, l’edizione 2006 della Notte Bianca di Napoli si terrà il prossimo sabato 30 settembre. L’intera città si prepara, sulla scorta dell’esperienza maturata l’anno scorso, ad accogliere e far vivere suoni, sguardi e gesti di artisti di differenti origini e culture.
Da sempre, Napoli, con il suo porto ed il suo profilo geografico, è l’approdo naturale dei popoli, delle culture e delle tradizioni provenienti dai Paesi che si affacciano sul Mediterraneo.

Questa sua innata vocazione l’ha resa, nei secoli, un esempio tra i più significativi di come i linguaggi di culture diverse si incontrino e si mescolino generando espressioni artistiche uniche e irripetibili. E, in occasione della Notte Bianca, sugli oltre cento palcoscenici della città, nelle piazze, per le strade, fra i monumenti, quei linguaggi si mostreranno, si confronteranno, si contamineranno, cercando e riconoscendo in se stessi le matrici comuni, le assonanze e le differenze.

Per l’occasione, dunque, Napoli si apre al mare e mare essa stessa diventa, accogliendo, nel cuore delle sue municipalità, le espressioni artistiche dei vari Paesi del Mediterraneo: l’area nord della città riceverà i metissages francesi e i ritmi dispari provenienti dai Balcani; la zona orientale incontrerà le tradizioni della Grecia, della Turchia, del Libano, della Siria, dell’Albania e di Cipro; le municipalità a sud ospiteranno le storie dolenti e il futuro di speranze di Israele e Palestina, l’incanto dell’Egitto e il fascino di Libia e Tunisia; ad ovest giungeranno i profumi del Maghreb e i colori della penisola iberica. Ovunque, poi, l’Italia e le tradizioni del suo teatro, della sua musica, della sua danza, dal Salento alla Sicilia, dalla tammorra alla pizzica, fino a Napoli e alle mille espressioni della sua arte.

Tre continenti sbarcheranno in città: la molteplicità delle culture in perenne mutamento dei Paesi dell’Europa meridionale; il mistero del Nord Africa che, seppure tanto presente nelle radici più profonde del nostro DNA culturale, può apparire oggi, più di ieri, lontano, diverso o addirittura incomprensibile; le dolorose contraddizioni e la storia densa del Medio Oriente asiatico.

Culture che verranno declinate sotto le diverse latitudini, coniugate al passato, al presente e al futuro.

Culture che si incontreranno e si confonderanno, senza paura di perdersi.
Tutte insieme, tutte in una notte, tutte rappresentate sul palcoscenico di una città che, per una notte, diventa teatro.

Diventa mare, un mare di cultura.

Info:

http://www.nottebiancanapoli.com/

Ugo Rondinone torna alla Galleria Civica di Modena

inaugurazione 16 settembre | ore 12 | a cura di milovan farronato con angela vettese | galleria civica | modena


Dopo aver partecipato alla collettiva "EGOmania", Ugo Rondinone torna alla Galleria Civica di Modena con la sua prima personale in un museo italiano intitolata "Ugo Rondinone. Giorni Felici", curata da Milovan Farronato con Angela Vettese.
La mostra inaugurerà a Palazzo Santa Margherita sabato 16 settembre alle ore 12, contemporaneamente alla personale dedicata a Yayoi Kusama. Rondinone presenta una serie di lavori inediti - alcuni dei quali pensati appositamente per Modena.
Ugo Rondinone è stato definito un artista visionario intrappolato nella realtà. La sua poetica infatti, che fa uso di stili e tecniche che contemplano la fotografia e la scultura, la pittura e altri mezzi, ci permette di entrare in un suo mondo interiore, dominato da melanconia e rassegnazione. Alla Galleria Civica di Modena lo spettatore sarà sospinto tra poderose pareti oblique specchianti variamente istoriate dall'artista con tenui disegni; dovrà fronteggiare muraglie spigolose e aggressive che forse nascondono nel loro interno immagini e rivelazioni o forse intendono dare forma al vuoto. Dovrà seguire attraverso oltre trecento fotografie in bianco e nero con accompagnamento sonoro una ricerca sentimentale che sembra naufragare: due figure infatti si rincorrono e si cercano in uno scenario ovattato dalla neve senza mai trovarsi, percorrendo costantemente direzioni opposte.
Metaforicamente, ogni sua mostra si dipana come un corridoio su cui si affacciano varie porte che conducono ad altrettante stanze e ad altrettanti ingressi, dove si incontrano emozioni e stati d'animo differenti: dall'armonia allo sconforto, alla sensazione di essere vittima di continue metamorfosi. Tra i suoi paesaggi, i suoi clown abbandonati per terra, i suoi alberi tridimensionali bianchi, le sue colonne sonore minimali, il visitatore può sentirsi come disorientato e perso in un labirinto mentale. Rondinone è come un viaggiatore capace di trattenere a sé e riportare agli altri le proprie memorie; che si tratti di un fitto groviglio di rami e fogliame o di una distesa infinita di acque calme, egli mostra sempre un senso di arrendevolezza di fronte alla vita, alla sua grandezza, alla responsabilità che ci impone l'essere uomini. Nessuna sfida in questo modo di intendere l'esistenza, ma piuttosto un'accettazione del nostro destino sia dolce che malinconica.

UGO RONDINONE. Giorni felici
Dal 15 settembre 2006 al 7 gennaio 2207
Palazzo Santa Margherita, Galleria Civica di Modena
c.so Canalgrande 103, Modena
Orari: da martedì a venerdì 10,30 -13,00; 15,00 -18,00 sabato, domenica e festivi 10,30 -18,00. Chiuso il lunedì 15,16 e 17 settembre, in occasione del festivalfilosofia 2006, apertura dalle 9,00 alle 23,00
Info: Tel. +39 059 2032911, 2032940
fax 2032932
Organizzazione e Produzione: Galleria Civica di Modena e Fondazione Cassa di Risparmio di Modena
Immagine: sunrise, october 2004, calco in alluminio, cast aluminium. Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Identità territoriale e sviluppo. Corso di alta formazione all'Istituto Luigi Sturzo

2-3-4-5-6 ottobre 2006 | istituto luigi sturzo | palazzo baldassini | via delle coppelle 35 | roma


La nuova e aggiornata edizione del corso "Progettare un distretto culturale: finanziamenti, strumenti, modelli di gestione" si propone di fornire gli strumenti necessari per la progettazione di un distretto culturale inteso come modello di sviluppo economico-sociale di un territorio, basato sulla valorizzazione delle risorse identitarie e sull'attivazione di sinergie innovative tra gli attori locali.

In un mondo di crescente competitività dei luoghi e dei territori, le comunità sono alla ricerca delle proprie specificità culturali, come elemento distintivo per uno sviluppo armonioso e durevole. In questo scenario il modello del distretto, ponendo l'identità locale al centro delle dinamiche sociali e produttive, può rappresentare un'opportunità per la costruzione di sistemi territoriali unici capaci di innescare processi di crescita sostenibile.

Il corso è rivolto a funzionari e dirigenti degli Enti Locali, operatori culturali, agenti di sviluppo, consulenti e laureati in discipline umanistiche, economiche e giuridiche. L'approccio metodologico prevede lavori di gruppo per favorire una progettazione partecipata da parte dei corsisti. Il progetto formativo trova completezza nella possibilità per ogni partecipante di lavorare concretamente ad un'idea progetto attraverso la quale analizzare in che modo il patrimonio identitario rappresenti un fattore di sviluppo.

La quota di partecipazione è di ? 500,00. Le iscrizioni scadono il 28 settembre 2006.

Corso di alta formazione: Progettare un distretto culturale: finanziamenti, strumenti, modelli di gestione.
Il programma e la scheda di iscrizione sono scaricabili dal sito www.sturzo.it
Per maggiori informazioni è possibile contattare il numero di telefono 06.6840421, oppure scrivere a corsi@sturzo.it